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艺术鉴赏论文
一、中西声乐历史文化。
声乐作为音乐艺术的一部分，是从人类的原始时期就开始出现的。
远古时期，中西声乐艺术在各自图腾意识和文化氛围中就已呈现出迥然不同的表现形态。
汉唐是中国历史上汉族音乐与外来音乐大融合的时代。对外来音乐艺术的兼容并蓄，促使汉唐时代声乐艺术的空前繁荣。中国传统声乐艺术形式多样、品种繁多、流派纷呈、长期并存。
西方声乐艺术形式相对单一，但长期在歌坛独领风骚。从古希腊史诗、到中世纪圣咏与合唱艺术，再到歌剧，西方声乐形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。
二、中西声乐审美比较。
由于中西历史文化背景的差异，导致中西方在声乐审美上有着迥然不同的见解。崇尚中和之美的中国人在审美心理中多习惯于平和、渐进、渐变的心理趋向，不喜欢新异、突变的普遍心态，而西方人则不同，西方音乐结构思维注重在矛盾冲突的对比前提下求统一的特征。中西文化在传统声乐艺术领域的另一突出反映，具体表现为中国以字韵纯正为重、西方则以声音优美为重。
西方传统声乐理论系统论及歌唱的呼吸与共鸣、声音的流畅与灵活等声乐艺术表现的诸多方面，而“声音优美”确是西方声乐艺术审美的首要标准。
三、中西声乐文化内涵。
声乐来自于社会生活，也是最早的音乐表现形式。它之所以自形成之初一直流播展衍至今，与其自身具备的社会功能是分不开的。其具有的社会功能有如下几种：信号功能;信息功能;仪式功能;宗教、道德的教化功能;娱乐功能;审美功能。这几种功能包涵了人类生活的方方面面，而由于历史文化的不同，中西方之间也有所区别。
华夏先民以农耕为主，思维意识没有明确的主客体之分，具有整体性、综合性、模糊性、直观性的特征。西方文明发端于狩猎、游牧的生活方式。在思维判断的方式上，理性推理超过感性经验。现代观念上的西方音乐，主要是指脱胎于基督教文明的艺术音乐。西方艺术声乐的产生最初是为了满足宗教仪式和宣传基督教义的需要。由于教会的至高无上的地位，教会成了专业音乐人才的培训基地和创作、演唱的中心，从而使西方的声乐较早地具备了鲜明的职业化、专业化的特征，也由此保证了西方声乐作品的规范性、严谨性和艺术性。
中西方音乐文化内涵的.差异首先体现在声乐作品上。中国声乐作品音乐和语言的关系紧密。中国语言的声调较为丰富，音调依附于语调。西方的语言是多音节的拼音文字，声调变化相对简单，而音节节奏和重音变化丰富。中国旋律多围绕音韵(平仄)进行，节奏的装饰性较强，总体呈现出非均分性、非定量性和随意性的特点。西方语言较少声调的变化，歌词多讲究节奏韵律的抑扬。相对于语调而言，语义对语言节奏的依附性更大。我国汉族的音调主要采用没有半音进行的五声音阶，因此歌曲缺少功能性的倾向进行。在西方音乐中，无论是教会调式还是大小调体系，每个音的稳定性不同，其他各音都具有对主音的倾向性。这种不稳定性不仅造成音和音之间相互联系的紧密，加强了歌曲旋律进行的动力感。
四、结语。
不同的社会历史背景为中西传统声乐艺术注入了各异的思想文化内涵。声乐艺术的历史文化背景、审美和文化内涵其实是统一在一起的。待人类传统文化与中西声乐艺术，肤浅的民族主义情绪无疑引发无谓的民族优劣论争，狭隘的民族虚无主义思想必然导致有害的民族传统批判。土洋之争、门户之见或许不只是政治历史的原因，囿于以乐论歌、以技说艺难免将民族声乐艺术引入狭路。否定传统文化便割断了民族声乐艺术发展的根本血脉，排斥外来文化则助长了民族声乐艺术退化基因的滋生。完整地继承民族传统声乐文化精粹，广泛地吸收外来一切优秀声乐文化，以中国传统声乐美学思想为宗，以西方近代声乐技术理论为径，或许是中国声乐艺术发展的明智选择。
参考文献：
艺术鉴赏论文
现如今，舞蹈艺术鉴赏教育已受到全社会的普遍关注。舞蹈艺术鉴赏不再是各校“装点门面”的可有无的课程，它将会不断地发展与完善，为祖国培养更多的全面发展的高素质人才。
当前全国的许多高校都不同程度地开设了舞蹈鉴赏课选修课程。这些课程的开设对于陶冶学生情操、挖掘学生想象力和创造力有重要作用，受到同学们的普遍欢迎。然而在实际过程中，教学效果并不尽如人意，这主要有以下三个方面：
（一）在课程设置上不够重视。
虽然大多数院校已将舞蹈鉴赏课程列入到选修课范畴中，但实际上却要求学生任选一门以上的艺术类选修课。而对于学生进行艺术教育应该是一个循序渐进的过程，不分情况地要求学生选多门艺术类课程只能是蜻蜓点水式的教学，效果微乎其微。这说明了高校对舞蹈鉴赏课程还不够重视，客观上也使学生在心理上视这类课程为可有可无。
（二）教学方法死板。
在舞蹈艺术鉴赏教学中，大多数教师仍然采用单一的传授式教学，这种传统的教学方法，剥夺了学生在课堂上的主体性地位，不利于学生主观能动性的发挥和创新精神的培养。
（三）学生兴趣不高。
学校的舞蹈鉴赏选修课，到课的人往往一开始特别多，到后面越来越少，就是去的也是为了应付教师点名，这种现象十分普遍。说到底，还是学生对这个课程不够喜爱。激发学生的学习兴趣，是解决课程困境的重要途径。
二、如何开展高校舞蹈艺术鉴赏教育。
（一）改革教学内容，与时俱进，开拓创新。
知之者不如好知者，兴趣是学习的基础。要激发学生的学习兴趣，在题材上的选择上，要尽量选择贴近学生、让学生容易理解的作品；在流行元素的选择上，应有选择性地介绍街舞、爵士舞和拉丁舞能对学生胃口的元素；也可以让学生学习一些简单的舞蹈语汇。舞蹈鉴赏课程教学内容的选择在精不在多，在于理解不在于盲从。要从易到难，循序渐进，投学生所好。
(二)注重学生鉴赏能力和审美能力培养。
课堂教学毕竟是有限的，“授之以鱼不如授之以渔”，舞蹈艺术鉴赏教育要把培养学生自学获取新知识的能力放在首要位置。
一方面，要丰富鉴赏的审美知识储备。舞蹈是一文化现象，对其鉴赏不能只停留在形式上，而应该从文化内涵上领略舞蹈艺术的美。要掌握一些基本的鉴赏方法。如族的《龙鼓舞》是青海省原始祭祀舞蹈，每年六月跳神会时祭祀神灵、驱灾避邪。离开这个一层文化内涵，便无从知道此舞蹈美在何处。
另一方面，加强大学生对舞蹈意境想象的训练，掌握舞蹈的动律与构图。舞蹈构成有三个：动律、构图和舞情。情感是舞蹈的灵魂，动律和构图是为舞情而存在的。原始图腾崇拜的舞蹈所以不朽，是因为它的每一个节律都充满了极端狂热的，而又无比虔诚生命情调。因此，在对舞蹈意境展开想象和联想之前，要引导大学生对其中的`情感进行反复体验。
（三）舞动肢体，结合实践领悟舞蹈魅力。
与单纯鉴赏的传统模式相比，师生间进行互动显然能提高学生的主动参与性，提高教学效果。尽管舞蹈艺术鉴赏是理论课，但是“动”是舞蹈的精髓。在讲到不同舞种的特点时，我们可以安排教一些简单手位及具有代表性的动作，把舞蹈知识与动作结合起来，让学生亲身体验舞蹈的魅力。
三、高校开展舞蹈艺术鉴赏教育的意义。
（一）社会意义。
1.传承民族文化，促进与世界的交流。舞蹈是民族的也是世界的，舞蹈能充分展示人的生命与心灵之美，是无国界的语言。舞蹈鉴赏对民族文化传承有着重要作用。通过对本土民间舞蹈的选择，能够培养学生善于发现本土民间艺术的慧眼，保护本土民间艺术，形成关注本土民间舞蹈文化的良性氛围，从而促进本土民间舞蹈传承和发展。而了解外国舞蹈，又能感受到异国风情，增长见识，促进彼此的了解。
2.体现素质教育，为社会培养文化型、创新型人才。当代的教育目标在于培养德、智、体、美、劳全面发展的的人才，舞蹈艺术鉴赏教育属于美育范畴，它对大学生综合素质的提高具有重要意义，从而为社会培养具有创新精神和实践能力的高素质人才。
（二）个体意义。
1.培养审美能力，完善文化修养。
人类的文化包括文字文化和非文字文化。应试教育忽视了学生对非文字文化的学习，使专业知识丰富的大学生却成了新一代的文化弱者。君不见高校文艺演出时演员们激情飞扬，而台下的观众却一片麻木。这并不是他们不热爱艺术，而是他们缺乏必要的艺术鉴赏能力。而舞蹈艺术蕴含着丰富的文化内涵、人文精神和美学、哲学思想等，是弥补大学生文化缺陷的最佳科目。
2.增强学生的智力，激发学生想象力和创造力。
斯佩里博士对人的大脑进行割裂研究发现，人的左脑负担抽象思维活动，右脑掌管形象思维活动。开发右脑可以提高智力水平。我国著名的艺术心理学研究者平心先生研究发现，热衷于舞蹈的大学生的智商明显比城市一般人口的智商高很多。
3.净化心灵，培养积极的心态和良好的情操。
舞蹈通过优美的人体动作、造型和表情陶冶人的心灵，提高人的思想境界。一部优秀的艺术作品是能够深深打动人心的。以舞蹈《中**亲》的欣赏为例。一开始，那形体的张力、那音乐的激愤，使同学们仿佛身临其境地重温起那个年代的国仇家恨的苦难。中国妈妈对侵略者恨入骨髓，却最终收养了敌人的婴孩，那种反复的矛盾和挣扎给人以强烈的艺术震撼。音乐又低沉转为轻快，慈爱而勤劳的中**亲终于辛辛苦苦地把日本的婴儿拉扯大了，她告诉孩子身世，含泪送她回去寻找亲身父母。从这部作品中我们可以领略到什么是真、什么是善、什么是美，懂得博爱和宽容的力量。
4.促进内外美统一和举止得体。
舞蹈是以人体作为主要表现手段，懂得舞蹈美的人处处都能体现姿态美。作为高层次的“文化型、创新型”人才，大学生应该是有更高的审美修养的，他们的气质、情感、涵养、风度、形貌、言谈举止的各个方面都应比一般人更得体。当教师用优秀的作品展示着美丽异域风情和古老的传说时，学生步入舞蹈艺术的世界，就明了了人体语言的美妙，促进了内在美和外在美的统一。
参考文献：
[1]王德胜．美学教程[m]．人民教育出版社，．9l。
[2]黄明珠．中国舞蹈艺术鉴赏指南[m]．上海：上海音乐出版社，
草书创作的艺术鉴赏
在情志合一、直言非诗的理论基础上，对《诗经》章法结构、用韵情况和赋比兴手法等做了系统深八的分析与总结。
《毛诗正义》作为“诗经汉学”的集大成者，其说诗模式虽然仍未跳出重在发掘政治教化与美刺功能的传统解经范式，但其对《诗经》在章法结构、用韵和赋比兴手法等艺术表现特征方面所进行的系统总结却颇为引人注目。这一成就超越了此前魏晋六朝文学自觉时代的《诗经》研究成就。
一、《诗经》创作艺术的理论出发点。
文学是情感的产物，肯定文学创作中的个人情感抒发，是重视文学本身艺术特征的基本前提。孔颖达等人在《春秋左传正义》中言：“在己为情，情动为志，情志一也，所从言之异耳”，于儒家文论中第一次明确主张“情志一也”。《毛诗正义》中也同样表达了这种情志合一的意思：
作诗者，所以舒心志愤懑，而卒成于歌咏，故《虞书》谓之“诗言志”也。包管万虑’，其名日心;感物而动，乃呼为志。志之所适，外物感焉，言悦豫之志则和乐兴而颂声作，忧愁之志则哀伤起而怨刺生。《艺文志》云“哀乐之情感，歌咏之声发”，此之谓也。
此处所谓“心”，即上文所谓“情”;心“感物而动乃呼为志”，即上文所谓“在己为情，情动为志”。可见，这段阐释，其实也正是主张情志合一，肯定情感在诗歌创作中的根本地位。
那么，直接将心中之情感说出来就能够成为一首诗吗?孑l疏明确提出了“直言非诗”的理论主张。孔疏认为，《大序》“情动于中而形于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。”这段话的意义重在强调“直言者非诗，故更序诗必长歌之意。”接着又说：“初言之时，直平言之耳。平言之而意不足，嫌其言未申志，故咨嗟叹息以和续之。嗟叹之犹嫌不足，故长引声而歌之。长歌之犹嫌不足，忽然不知手之舞之、足之蹈之。”既然他认为“直言非诗”，那么运用各种语言艺术形式来言志作诗就是逻辑的必然。从实现诗歌抒情意图发，孔颖达强调要通过多样化的表现手段以强化诗人“申志”“舒愤”之目的。这种认识为其深入探讨《诗经》的创作艺术奠定了理论基础，是他关注《诗经》创作艺术的理论发点。
二、对章法结构的分析。
孔疏在《诗经》首篇《关雎》之后，用了字数是《诗大序》倍的篇幅，对《诗经》的字句篇章作了集中讨论，成为《诗经》经学阐释中最为突出的现象。首先总体概括了《诗经》中字、句、章、篇的关系，其云：句必联字而言，句者局也，联字分疆，所以局言者也。章者明也，总义包体，所以明情者也。篇者遍也，言出情铺，事明而遍者也.然后具体总结了《诗经》中句式的各种情况，云：
句者联字以为言，则一字不制也。以诗者中志，一字则言蹇而不会，故《诗》之见句，少不减二，即“祈父”、“肇裎”之类也。三字者，“绥万邦”、“娄丰年”之类也。四字者，“关关雎鸠”、“窈窕淑女”之类也。五字者，“谁谓雀无角，何以穿我屋”之类也。六字者，“昔者先王受命”、“有如召公之臣”之类也。七字者，“如彼筑室于道谋”、“尚之以琼华乎而”之类也。八字者，“十月蟋蟀入我床下”、“我不敢效我友自逸”是也。其外更不见九字、十字者。……句字之数，四言为多，唯以二三七八者，将由言以中情，唯变所适，播之乐器，俱得成文故也。
这段话结合实例全面总结了《诗经》句式变化的各种情况，归纳了《诗经》的句式规律，认为《诗》是以四言句式为多，其余二至八言句式则是为了适应情感表达的特殊效果和合乐歌唱艺术形式而运用的，是四言句式的有益补充。孔疏明确指出句式的各种变化都只不过是为了“申情”而“唯变所适”，也就是说，诗歌的句式变化都是出于“抒情言志”的需要。
孔疏对篇章的论述最为详细，全面总结和论述了《诗经》的'章中句数和篇中章数：
章者，积句所为，不限句数也，以其作者陈事，须有多少章总一义，必须意尽而成故也。累句为章，则一句不可，二句得为之，《卢令》及《鱼丽》之下三章是也。其三句则《麟趾》、《甘棠》、《驺虞》之类是也。其多者，《载芟》三十一句，《宫》之三章三十八句，自外不过也。篇之大小，随章多少。风、雅之中，少犹两章以上，即《驺虞》、《渭阳》之类是也。多则十六以下，《正月》、《桑柔》之类是也、唯《周颂》三十一篇，及《那》、《烈祖》《玄乌》，皆一章者。以其风、雅叙人事，刺过论功，志在匡救，一章不尽，重章以中殷勤，故风、雅之篇无一章者。颂者，太平德洽之歌，述成功以告神，直言写志，不必殷勤，故一章而已。章组成。疏看到，在《诗经》中一章不少于两句，最多是。之所以每章句数不能够限定，是因为据表达内容不同，需要的句数多少亦不同。“必须意尽而成”，讲清楚所要表达的意思，一章也即结束。结合孔疏于前所叙章者明也，总义包体，所以明情也”，章这种结构形式同样是服务于抒发情志、叙述事件这一目的，所以其句数自然要随表达需要而定。孔疏在论及章数之时尤其注意到了风、雅与颂在一篇章数上的区别，其立足于诗歌重在抒情的艺术本质，对篇内章数的多少问题予以理论的思考和阐释。孔疏认为，“风、雅少犹两章以上”，“多则十六以下”，是因为“风、雅叙人事，刺过论功，志在匡救，一章不尽，重章以申殷勤”，故“无一章者。”而“《周颂》三十一篇，及《那》、《烈祖》、《玄鸟》，皆一章者”，则是“颂者，太平德洽之歌，述成功以告神，直言写志，不必殷勤，故一章而已”之故。展读《诗经》，不难发现，风、雅之诗，广写世间人事百态，小到男女婚恋，大到刺过论功，志在匡世的政治热情，更为追求诗人主观情志的抒发，所以极尽深婉之能事，一章言之，意犹未了，故非二章或多章不足以尽兴。而《周颂》众诗，述功告神，不必殷勤，缺乏反复诉说的情感动力，故多为一章。孔疏之论在相当程度上符合《诗经》艺术的真实状态，可谓有理。
三、对用韵情况的分析。
孔疏云：诗之大体，必须依韵，其有乖者，古人之韵不协耳。之、兮、矣、也之类，本取以为辞，虽在句中，不以为义，故处末者，皆字上为韵。之者，“左右流之”、“寤寐求之”之类也。兮者，“其实七兮”、“迨其吉兮”之类也。矣者，“颜之厚矣”、“出自口矣”之类也。也者，“何其处也”、“必有与也”之类也。《著》“俟我于著乎而”，《伐檀》“且涟猗”之篇，此等皆字上为韵，不为义也。然人志各异，作诗不同，必须声韵谐和，曲应金石，亦有即将助句之字，以当声韵之体者，则“彼人是哉，子日何其”;“不思其反。反是不思，亦已焉哉”;“是究是图，蛊其然乎”;“其虚其徐，既亟只且”之类是也。
“诗之大体，必须用韵”，可见孔疏将用韵看作是诗体成立的必备因素。音律的最大价值自然在它的音乐性。音乐自身是一种产生浓厚美感的艺术，诗之依韵，就是为了“声韵和谐，曲应金石”，使声音谐美，便于吟咏歌唱，使所要表达的情感意绪在美妙的声韵中播扬，增强其审美浓度和感染力量。孑l疏尤其关注的是句尾语助词与诗韵的关系。其分汉字为“全取以制义”的实词和“假辞以为助”语助词，认为语助词“虽在句中，不以为义”，如果置于句末，则主要就是“为韵”，并且依次举了《周南·关雎》、《召南·摞梅》、《小雅·巧言》、《邶风·旄丘》、《齐风·著》、《魏风·伐檀》这些例子来说明这种情况，详尽而确凿。这种情况可与王力《诗经韵读》中所说“如果句尾是一个字，韵就常常落在倒数第二字上”相印证。孔疏还提出了另外一种情况，即“将助句之字，以当声韵之体者”，且举《魏风·同有桃》、《卫风·氓》、《小雅·常棣》为例，这种情况大概相当于“虚字被用作韵脚，倒数第二字不再作韵。”
孔疏的诗韵理论常反映于其《诗经》疏解中，如《王风·采葛》“设文各从其韵，不由事大忧深也”，《郑风·丰》“而经衣裳异文者，以其衣裳别名，诗须韵句，故别言之耳”，《魏风·硕鼠》“谷生于苗，故言苗以韵句”等等比比皆是。孔疏在《周南·汉广》正义中甚至说：“诗之大体，韵在辞上。”对声韵之重视超过了文辞。这种意识在《序》、《传》、《笺》中是没有的，应该说相当程度上这是自魏晋六朝以来中国诗歌追求声韵的理论和实践而对孔颖达年所产生的影响所致。
四、对《诗经》赋、比、兴的认识。
赋、比、兴是《诗经》对中国文学的表现艺术影响最大的一个方面。《诗大序》说：“诗有六义焉：一日风，二日赋，_二日比，四日兴，五日雅，六日颂。”六者是并列的关系。经过东汉郑众和郑玄以及齐。梁时期刘勰《文心雕龙》的阐释，赋、比、兴作为写作手法的认识有了明显的增强，但论述得最完整的还是《毛诗正义》。孔颖达说：
郑(玄)以赋之言铺也……则诗之直陈其事，不譬喻者，皆赋也。郑司农(即郑众)云：“比者，比方于物、诸言如者，皆比辞也。”司农叉云：“兴者，托事于物则兴者起也。取譬引类，起发己心，诗文诸举草木乌兽以见意也，皆兴辞也。”赋、比、兴如此次者，言事之道，直陈为正，故《诗经》多赋在比、兴之先。比之与兴，虽同是附托外物，比显而兴隐，故比居兴先也.
通过以上论述，将赋、比、兴的不同作用及其排列顺序先后的原因，分析得非常清楚且通俗易懂。至于何以称之谓六义?《毛诗正义》也解释得很明白：然则风、雅、颂者，诗篇之异体;赋、比、兴者，诗文之异辞耳，大小不同而得并为六义者，赋、比、兴是诗之所用，风、雅、颂是诗之成形，用彼三事，成此三事，是故同称为六义，非别有篇卷也这就是说，赋、比、兴是为创作风、雅、颂服务的，故也沾了“义”宁的光。至此，作为写作手法的赋、比、兴含义已基本确定，赋、比、兴与风、雅、颂的关系也有了明确的界定。赋、比、兴由浓厚的经学含义而逐步成为文学含义，虽是汉魏六朝文**流潜移默化的自然趋势，但《毛诗正义》论述毕竟起了归于一定的总结作用，这一点功不可没。
《毛诗正义》对《诗经》创作艺术的系统理论总结，在伦理道德阐释的重重掩盖下，透露出一抹注重文本研究的气息，这在一定程度上标志着《诗经》研究由经学向文学的转变，是诗经学研究史上的重要成就。
课文《离骚》艺术鉴赏
《离骚》对中国文学的发展产生了重要影响。在汉代以后，后世文人无不对屈原推崇备至。下面是课文是艺术鉴赏，希望能对你有所帮助。
内容思想。
《离骚》可分为前后两部分，即自“帝高阳之苗裔兮”，至“岂余心之可惩”，为前一部分;从“女嬃之婵嫒兮”，至“吾将从彭咸之所居”，为后一部分。
前一部分描写屈原对以往生活经历的回顾。叙述屈原出身于与楚王同姓的贵族家庭及其生辰名字;描写他自幼就努力自修美德、锻炼才能，并决心报效楚国的愿望;描写他激励引导楚王“及前王之踵武”，使楚国富强的理想，和辅助楚王进行政治改革的斗争;然而由于屈原的政治理想和改革的实践触犯了腐朽的贵族集团的既得利益，因而招致了他们的重重迫害和打击，诽谤和诬蔑漫天而来，而楚王也听信谗言，疏远和放逐了屈原;就在此时，屈原为实现理想而精心培植的人才也纷纷变质，使屈原的处境极为孤立;在此情况下，屈原看到自己的理想无法实现，“民生之多艰”，而祖国陷入“路幽昧以险隘”的岌岌可危的境地，使爱国爱民的屈原陷入极度的痛苦之中;屈原满怀愤怒地揭露了楚王反复无常，不辨忠奸，昏庸无能的作为;同时揭露腐朽的贵族集团贪婪嫉妒，苟且偷安，背法妄行，结党营私，把祖国引向危亡的罪恶;描写了屈原不向反动势力屈服的斗争精神。
后一部分主要描写屈原对未来道路和真理的探索与追求。首先，女嬃劝他接受历史的教训，不要“博謇好修”，而要明哲保身;但是屈原通过向重华陈辞，分析了古往今来的史实，否定了女嬃建议;于是屈原开始了“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的追求理想的历程。首先，他上叩“天阍”，却遭到冷遇;接着，诗人下求佚女宓妃、有娀氏女和有虞之二姚，以便上通天帝，然而均都落空，这象征性地说明了争取楚王已经毫无希望了;于是屈原去找神巫灵氛占卜，灵氛劝他去国远游;诗人犹豫不决，又去找巫咸问策，巫咸则劝其暂留楚国待明君而行;在矛盾的建议中，诗人分析了国内政情，觉得不能久留于黑暗无望的楚国，决定离楚远行;但是，远行的想法又与屈原爱国的衷情发生矛盾，所以在他升天远行时，忽然看到了楚国大地，“仆夫悲余马怀兮，蜷局顾而不行”，形象地否定了离楚的道路，最后诗人决心“从彭咸之所居”，用死来殉其“美政”的理想。
全诗的主题思想，即通过诗人为崇高理想而奋斗终生的描写，强烈地抒发了他遭谗被害的苦闷和矛盾的心情，表现了他为国献身的精神，和与国家同休戚、共存亡的深挚的爱国主义和同情人民的感情，表现了诗人勇于追求真理和光明，坚持正义和理想的不屈不挠的斗争精神。同时也深刻地揭露了以楚君为首的楚国贵族集团腐朽黑暗的本质，抨击他们颠倒是非，结党营私，谗害贤能，邪恶误国的罪行。
人物形象。
屈原在《离骚》中，成功地塑造了中国文学史上第一个形象丰满、个性鲜明的抒情主人公的形象，体现了屈原的伟大思想和崇高的人格。
首先，这是一位杰出政治家的形象。他有明确的“美政”思想，这与屈原改革弊政，联齐抗秦的政治主张是一致的。其最终目的是要“及前王之踵武”，使历史上曾兴旺发达的“三王”政绩发扬光大。亦即由楚国统一天下，使百姓安居乐业。“美政”思想的实质是要巩固楚王的统治，它充满了儒家美好政治的色彩，体现了儒家“民本思想”的要求，屈原不但有美政理想，也有实现它的具体办法。其中最主要的就是，“君明臣贤”。要有好的'国君，还要有忠于国君并且有才干的大臣加以辅佐，君臣和谐才能成功。因而他歌颂“汤禹严而求合兮，挚咎繇而能调。”他极力主张选贤任能，赞美古代贤君“举贤而授能”，称颂“说操筑于傅岩兮，武丁用而不疑。吕望之鼓刀今，遭周文而得举。宁戚之讴歌兮，齐桓闻以该辅。”同时他还主张废斥群小，这也是实现“美政”的重要保证。他在诗中极力揭露群小的罪恶，正是出于这种想法。他还主张“循绳墨而不颇”，强调以法度治国。他为此奋斗终生，充分显示了这一形象的政治家风度。
这一形象还体现了诗人勇于同黑暗腐朽势力作斗争的精神。诗人清楚地知道，楚国的不幸命运，以及诗人自己的不幸遭遇正是楚廷群小造成的。诗人对之极为愤恨，因而不遗余力地反复加以揭露和抨击，斥责他们“好蔽美而称恶”，竞进贪婪，嫉妒成性，朋比为奸，随波逐流，黑白颠倒。诗人还揭露了楚君的过失，说他反复无常，荒唐糊涂，宠信奸臣，疏远忠良，善恶不辨，致使诗人的“美政”理想落了空。显示了诗人同黑暗势力的勇敢斗争精神。
这一形象也是追求光明和真理的美好形象，体现了诗人坚持正义的刚毅不屈的伟大精神。他坚信真理和正义的存在，虽然“路漫漫其修远兮”，但他始终是“上下而求索”。他非常清楚地知道，他的高洁的品格，他的超群拔俗的崇高理想，都“不同于今之人”，因而招致“谣诼”诽谤，遭受种种迫害打击。在这种情况下，连他亲近的人都劝其随俗浮沉，不要“博謇好修”。可是，诗人却在诗中反复申明他决不能随波逐流的态度。在打击和迫害面前决不动摇，岿然如山，坚强不屈。诗中描写屈原三次求女嬃虽然失败了，但他仍然不懈地探索真理，寻求志同道合者，这种对光明和真理的追求与热爱的精神，正是他终生奋斗的力量源泉。这种精神对后世的影响也是极深远的。
诗人还通过这一形象，描绘了诗人自己思想感情的波澜，诗人把自己描绘成浑身披覆着香花和美玉的洁身好修，幽美芳香，妩媚奇特的超人，用来象征其纯洁高尚的内在美质。屈原内在美质的表现，最感人的就是他那强烈而真挚的爱国主义精神。诗人自幼就立下为国尽忠的理想，他为此自修美德和才能，祖国被“党人的偷乐”搞得“路幽昧以险隘”，他为之而伤心，他一再表白“岂余身之惮殃兮，恐皇舆之败绩”，他为祖国的前途而忧心忡忡。他被群小打击迫害而离开了政治舞台，但他始终关心国家的前途和命运，他虽然为自己不幸的命运而痛苦忧伤，但他更关心的是国家和君王，他始终系心怀王，不忘楚国。在当时的历史条件下，凭着屈原的杰出才能，他投奔别国也许会成为将相高官，但它否定了一切离楚远游的想法，非常形象，非常真挚地表现了屈原那强烈的爱国主义精神。
语言特征。
参差不齐的句子形式。
《离骚》吸取楚地民歌的语言特点，打破了《诗经》的四言句式，把句式加长，扩大了诗歌的容量。屈原不仅采用灵活变化的民歌句法，又在此基础上吸收了战国时散文的句法，在作品中使用了“路漫漫”、“长太息”等，从而创造了一种节奏分明而参差错落的杂言句式。《离骚》中出现了不少“言对”，即工巧的对偶：“朝饮木兰之坠露兮，夕餐秋菊之落英”、“制芰荷以为衣兮，集芙蓉以为裳”;还出现了一些“事对”，就是上下句所用的典故相对：“吕望之鼓刀兮，遭周文而得举。宁戚之讴歌兮，齐桓闻以该辅。”但是这类句子在屈原作品中仅占少数，参差错落的句子占着绝对的优势。从节奏效果看，《诗经》倾向于整齐匀称，屈原的作品倾向于参差错落。一般来说，《诗经》中的诗以四字句为典型句式，句中是二二节奏;《离骚》的典型句是五、六字句，句中常常是三三或三二节奏。“四言简质，句短而调未舒;七言浮靡，文繁而调易杂”。《离骚》既非四言，也非七言，而是句式灵活多变的自由体，“折繁简之衷，居文质之要”，语言节奏自有独到的妙处。交叉使用五字句、六字句、七字句、九字句，通过字数的增加与减少，有意造成跌宕起伏的语言节奏，形成《离骚》特殊的语言节奏美。
错落变化的句子结构。
《离骚》与《诗经》的区别在于，当上下两句有可能形成对偶的时候，《离骚》有意识地变换词语的结构形式，使之具有错落之美，如“驾八龙之蜿蜿兮，载云旗之委蛇”、“揽茹蕙以掩涕兮，沾余襟之浪浪”。“蜿蜿”与“委蛇”是叠音词与连绵词相对，“掩涕”与“浪浪”是词组与叠音词相对，对应的词语或词组结构发生变化，是为了使语言形式发生变化，从而形成诗歌语言的节奏变化。《离骚》“乎”和“于”的用法，很能说明屈原有意追求错落的特点。“《离骚》语法，凡二句中连用介词‘于’‘乎’时，必上句用‘于’，下句用‘乎’，‘朝发轫于苍梧兮，夕余至乎县圃’、‘饮余马于咸池兮，总余辔乎扶桑’、‘夕归次于穷石兮，朝濯发乎洧盘’……胥其例也。”
《离骚》大量使用双音实义二字结构，大量使用连绵词：耿介、謇謇、冉冉、郁邑、岌岌、菲菲、歔欷、逍遥、相羊、周流、啾啾，等等。双声、叠韵、重言，错杂相间，极大地丰富了诗歌的节奏感和音调美。
“兮”字的普遍使用。
“兮”字在屈原的作品中具有极为重要的作用，《离骚》中即普遍使用。“兮”字并非《楚辞》所独有，在北方文学中也较早地、大量地使用，“十五国风”中除《秦风》外，十四国风中都有“兮”字出现，而且多达236次。《诗经》中的“兮”字一般是用在句末，如“巧笑倩兮”、“美目盼兮”，是“兮”字的典型句式;还有用在句中的句子，如“宽兮绰兮”、“伯兮朅兮”，但是这样的用法相对来说只占少数。到屈原的作品，“兮”字用得更为广泛，而且有比较严格的规律性，用“兮”虽然不是屈原作品的特长，但是用得奇特、富有创造性并因此成为屈原作品语言形式的一个突出特点，是屈原划时代的创造。从《离骚》来看，两句用一“兮”字，用在奇句末尾，这种用法对调整诗歌节奏起着很大作用。“兮”本来是个语助词，许慎说：“兮，语所稽也”，段玉裁说：“语于此而少驻也，此与‘哉，言之间也’相似”。从屈原作品使用的情况看，“兮”都是语气助词，如果译成现代汉语，相当于语气词“呵”。郭沫若、闻一多认为“呵”是“兮”字的本音。1973年长沙马王堆汉墓出土的帛书《老子》，凡今本《老子》的“兮”都写作“呵”，证明郭、闻二位先生的推断是有根据的。如此“兮”字的作用主要是强化情感、延长音节、调整节奏，增强诗歌语言的音乐美。
艺术特色。
深深植根于现实盼积极浪漫主义。
中国文学观实主义和浪漫主义这两种创作方法源远流长，现实主义导源于《诗经》，浪漫主义导源于《楚辞》。《离骚》的浪漫主义表现在两个方面。第一是强烈的浪漫主义精神。《离骚》展现了作者爱国主义的崇高理想和为实现这种理想而百折不挠的斗争精神。他殷切希望楚国能实行修明法度、举贤授能的“美政”，再现尧舜禹汤文武和三后那样的自己心目中的盛世，所以他极力赞颂道：“彼尧舜之耿介兮，既遵道而得路”，“汤禹俨而祗敬兮，周论道而莫差”，“昔三后之纯粹兮，固众芳之所在”。他为了理想，坚持不懈，上下求索，九死未悔。第二是大量的浪漫主义手法。作者插上幻想的翅膀，尽情驰骋，这在诗的第二、三两大段里有充分的表现。如上款帝阍一节，诗人幻想在太空中翱翔，早晨从南方的苍梧山出发，傍晚便到了西北昆仑山上的悬圃。他在太阳洗澡的咸池给马喂水，在太阳升起的扶桑树下总辔启行。月神、风神、雷师、凤鸟、飘风、云霓一大群神物前呼后拥。神游西天一节，写他驾飞龙、鸣玉鸾，从天津启程，取道昆仑，渡赤水，过流沙，经不周，到西海。想象丰富奇特，境界恍惚迷离，场面宏伟壮丽。
比兴手法的运用。
《离骚》继承并发展了《诗经》的比兴传统。其具体表现为：在广度上，它较多地应用比喻，构成庞大的比兴系统;在深度上，较之《诗经》更为注意比兴中“此物”与“彼物”的内在联系，用作比喻的事物与全篇所表达的内容统一，富有象征性。如诗中用“美人”喻指楚怀王，用“众芳”喻指群贤，用“椒、桂、蕙、茝”四种植物喻群贤，用香草“荃”喻楚怀王等等，把比兴与表现的内容合而为一，使诗中的意名胜具有了象征意义。
对比手法的运用。
屈原在其诗篇中，以远古的尧、舜贤君的“耿介”、“既遵道而得路”与桀、纣暴君的“猖披”、“夫唯捷径以窘步”相对照，用以劝谏楚王要走正确的治国之路。又以“恐年岁之不吾与”和“惟夫党人之偷乐兮”相对照，使自己的热心为国与小人的苟且偷安形成鲜明对比。
抒情中有故事情节的叙述。
抒情诗一般没有故事情节。《离骚》是一首长篇政治抒情诗，抒发其忠而被疏的愤懑之情。但是诗中的前一部分里叙述了自己的家世、出生和被疏的事实，后两部分里更虚构了女嬃詈原、陈辞于舜，上款帝阍、历访神妃，灵氛占卜、巫咸降神、神游西天等一系列幻境，使这首抒情诗具有了故事情节的成分。看来似乎山穷水尽，眨眼又是一番新的景象，波澜起伏，百转千回，从而把叙事诗和抒情诗融为一炉。
拓展阅读：离骚简介。
《离骚》是战国诗人屈原创作的文学作品。“离骚”，东汉王逸释为：“离，别也;骚，愁也。”《离骚》以理想与现实的冲突为主线，以花草禽鸟的比兴和瑰奇迷幻的“求女”神境作象征，借助于自传性回忆中的情感激荡，和复沓纷至、倏生倏灭的幻境交替展开全诗。作品倾诉了对楚国命运和人民生活的关心，“哀民生之多艰”，叹奸佞之当道。主张“举贤而授能”，“循绳墨而不颇”。提出“皇天无私阿”，对天命论进行批判。作品中大量的比喻和丰富的想像，表现出积极浪漫主义精神，并开创了中国文学上的“骚”体诗歌形式，对后世有深远影响。有东汉王逸《楚辞章句》、南宋朱熹《楚辞集注》、清代戴震《屈原赋注》等注本。
草书创作的艺术鉴赏
摘要：在我们的所接触的表演艺术中，除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作，二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务，这样我们的演唱才能打动听中，声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。
关键字：二度创作创作能力创作效果。
前言。
在我们的所接触的表演艺术中，除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作，二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。在选择剧本、脚本、乐谱的时候都很用心。因为创作质量的高低对于演出成功与否起到前提的作用。同样文艺创作者也明白在演出时演员的重要性。因此他们在选择演员的时候也是很用心的。如果演员的水平不错且又适合这个作品，那么就能使作品的内涵、潜力得到充分的发挥。假如作品一般演员水平非常高，临场发挥很不错。结果演出非常成功。作者就会认为：比我想象的好多了。因此很多的事实告诉我们：艺术的表演环节太重要了。对于声乐艺术同样如此。
不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对，而且在演唱中揭示出了作品深层内涵，显示了自己与他人不同的艺术个性，从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作“二度创组”或者叫做再创作。二度创作决不是任意、自由和无限制的，它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此，二度创作的首要原则就是：必须在一度创作规定内容主体的范围内活动，即不能离弦走板，歪曲内容和作者的基调，违背作者当初创作的初衷。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作，是因演唱而加强一度创作主体的感染力，而不是削弱或改变主题。其次，二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者，就是二度创组方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。如果你在一个高音上向做到弱音的效果，但还没成熟的掌握这一技巧。很可能会出现破音或者虚弱的声音。要对作品进行二度创作可以试着从以下方面入手：
1.速度。
每首歌曲都有特定的速度标记，但每一种标记都有一个灵活的幅度。如largo(广板)每分钟46拍，但这也是一个参考的标准，可以根据自己处理上下浮动。此外，还可以在个别地方处理成稍快或者稍慢。如《教我如何不想她》（刘半农词。赵元任曲）中的“为风吹动了我头发”，为了唱出动感，我们可以把前六个字速度加快，唱的紧迫一点，最后“头发”两个字再适度放慢拉宽，这样唱出了动感也唱出了被风吹动的头发的形象。
2．音色。
音色的调节和声门的状态、喉位高低、气息力度、共鸣腔的使用有关，是演唱者进行二度创作的重要手段。如《黄河怨》中的“哭诉我的愁和怨”这几个字音可以用哭泣抽咽的音色来唱。更能表达女主角伤痛欲绝的心情。
3．音量。
在二度创作中选择和变更演唱的音量也是创作中常用的方法。从一般规律来看，无论欢乐还是痛苦，高涨情绪的迸发和宣泄需要较强的音量。平静的叙述需要音量适中。
4．语气。
声乐是音乐中唯一的音乐与文学合成的艺术，语言的生动性在其中占一定的份量。所以说在演唱中对语言中的语气的生动处理也是二度创作中重要的手法。如《再见，了大别山》（王和全词。雷远生曲）最后一句“我要把你铭记在心头”的“把”字包含了一种对自己战斗过的有着血肉般联系的老区人民的深厚情谊，这个“把”字就有了千钧的力量。
5．润腔。
润腔这个词源于中国的戏曲唱腔。是指演唱者在二度创作中处于对旋律美的追求在不破坏全旅的骨干音、支点音和总体风格的前提下，在恰当的位置为音符增加装饰音，已达到美化旋律的效果。在一些作品中作曲家在一些段落专门给歌唱家留有自由发挥技巧的空间，这一乐段称作华彩。
不同的歌唱者不但二度创作的意图和方法不同，创作的水平效果也不同。这主要决定演员自身的素质、能力和状态。所以对演员的二度创作的效果好与怀的因果关系可以从以下几个方面分析：
1．创作欲的强弱。也就是说演员是不是非常喜欢这部作品。还是领导指定的，这些都影响演员的创作欲，当然也影响着创作效果。
3．能力的提高。二度创作的正确方向在像生活的真实出发，从作品的内在需要出发，从自己的真实理解和感受出发，以及自己的演唱能力出发。来不得半点勉强和做作。
二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务。这样我们的演唱才能打动听中，声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。
参考文献：
[1]《声乐学基础》石惟正著人民音乐出版社。
[2]《声乐艺术美学》余笃刚著高等教育出版社。
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艺术鉴赏论文
这首诗，大约是唐玄宗天宝初年，李白第一次到长安时写的。《蜀道难》是他袭用乐府古题，展开丰富的想象，着力描绘了秦蜀道路上的奇丽惊险的山川，并从文中透露了对社会的某些忧虑与关切。
诗人大体按照由古及今，自秦入蜀的线索，抓住各处山水特点来描写，以展示蜀道之难。从“噫吁?戏”到“然后天梯石栈相钩连”为一个段落。一开篇就极言蜀道之难，以感情强烈的咏叹点出主题，为全诗奠定了雄放的基调。以下随着感情的起伏和自然场景的变化，“蜀道之难，难于上青天”的咏叹反复出现，象一首乐曲的主旋律一样激荡着读者的心弦。为什么说蜀道的难行比上天还难呢?这是因为自古以来秦、蜀之间被高册峻岭阻挡，由秦入蜀，太白峰首当其冲，只有高飞的鸟儿能从低缺处飞过。太白峰在秦都咸阳西南，是关中一带的最高峰。民谚云：“武公太白，去天三百。”诗人以夸张的笔墨写出了历史上不可逾越的险阻，并融汇了五丁开山的神话，点染了神奇色彩，犹如一部乐章的前奏，具有引人入胜的妙用。下面即着力刻画蜀道的高危难行了。从“上有六龙回日之高标”至“使人听此凋朱颜”为又一段落。这一段极写山势的高危，山高写得愈充分，愈可见路之难行。你看那突兀而立的高山，高标接天，挡住了太阳神的运行;山下则是冲波激浪、曲折回旋的河川。诗人不但把夸张和神话融为一体，直写山高，而且衬以“回川”之险。唯其水险，更见山势的高危。诗人意犹未足，又借黄鹤与猿猱来反衬，山高得连千里翱翔的黄鹤也不得飞度，轻疾敏捷的猿猴也愁于攀援，不言而喻，人行走就难上加难了。以上用虚写手法层层映衬，下面再具体写青泥岭的难行。
青泥岭，“悬崖万仞，山多云雨”(《元和郡县志》)，为唐代入蜀要道。诗人着重就其峰路的萦回和山势的峻危来表现人行其上的艰难情状和畏惧心理，捕捉了在岭上曲折盘桓、手扪星辰、呼吸紧张、抚胸长叹等细节动作加以摹写，寥寥数语，便把行人艰难的步履、惶悚的神情，绘声绘色地刻画出来，困危之状如在目前。至此蜀道的难行似乎写到了极处。但诗人笔峰一转，借“问君”引出旅愁，以忧切低昂的旋律，把读者带进一个古木荒凉、鸟声悲凄的境界。杜鹃鸟空谷传响，充满哀愁，使人闻声失色，更觉蜀道之难。诗人借景抒情，用“悲鸟号古木”、“子规啼夜月”等感情色彩浓厚的自然景观，渲染了旅愁和蜀道上空寂苍凉的环境气氛，有力地烘托了蜀道之难。然而，逶迤千里的蜀道，还有更为奇险的风光。自“连峰去天不盈尺”至全篇结束，主要从山川之险要来揭示蜀道之难，着力渲染惊险的气氛。如果说“连峰去天不盈尺”是夸饰山峰之高，“枯松倒挂倚绝壁”则是衬托绝壁之险。诗人先托出山势的高险，然后由静而动，写出水石激荡、山谷轰鸣的惊险场景。好象一串电影镜头：开始是山峦起伏、连峰接天的远景画面;接着平缓地推成枯树倒挂绝壁的特写;而后，跟踪而来的是一组快镜头，飞湍、瀑流、悬崖、转石，配合着万壑雷鸣的音响，飞快地从眼前闪过，惊险万状，目不暇接，从而造成一种势若排山倒海的强烈艺术效果，使蜀道之难的描写，简直达到了登峰造极的地步。如果说上面山势的高危已使人望而生畏，那此处山川的险要更令人惊心动魄了。风光变幻，险象丛生。在十分惊险的气氛中，最后写到蜀中要塞剑阁，在大剑山和小剑山之间有一条三十里长的栈道，群峰如剑，连山耸立，削壁中断如门，形成天然要塞。因其地势险要，易守难攻，历史上在此割据称王者不乏其人。诗人从剑阁的险要引出对政治形势的描写。他化用西晋张载《剑阁铭》中“开胜之地，匪亲勿居”的语句，劝人引为鉴戒，警惕战乱的发生，并联系当时的社会背景，揭露了蜀中豺狼的“磨牙吮血，杀人如麻”，从而表达了国事的忧虑与关切。唐天宝初年，太平景象的背后正潜伏着危机，后来发生的安史之乱，证明诗人的忧虑是有现实意义的。
李白以变化莫测的笔法，淋漓尽致地刻画了蜀道之难，艺术地展现了古老蜀道逶迤、峥嵘、高峻、崎岖的面貌，描绘出了一幅色彩绚丽的山水画卷。诗中那些动人的景象宛如历历在目。李白之所以描绘行如此动人，还在于融贯其间的浪漫主义激情。诗人寄情山水，放浪形骸。他对自然景物不是冷漠的观赏，而是热情地赞叹，借以抒发自己的理想感受。那飞流惊湍、奇峰险壑，赋予了诗人的情感气质，因而才呈现出飞动的灵魂和瑰伟的姿态。诗人善于把想象、夸张和神话传说融为一体进行写景抒情。言山之高峻，则曰“上有六龙回日之高标”;状道之险阻，则曰“地崩山摧壮士死，然后天梯石栈相钩连”......诗人“驰走风云，鞭挞海岳”(陆时雍《诗镜总论》评李白七古语)，从蚕丛开国说到五丁开山，由六龙回日写到子规夜啼，天马行空般地驰骋想象，创造出博大浩渺的艺术境界，充满了浪漫主义色彩。透过奇丽峭拔的山川景物，仿佛可以看到诗人那“落笔摇五岳、笔傲凌沧洲”的高大形象。唐以前的《蜀道难》作品，简短单薄。李白对乐府古题有所创新和发展，用了大量散文化诗句，字数从三言、四言、五言、七言，直到十一言，参差错落，长短不齐，形成极为奔放的语言风格。诗的用韵，也突破了梁陈时代旧作一韵到底的程式。后面描写蜀中险要环境，一连三换的韵脚，极尽变化之能事。所以殷?编《河岳英灵集》称此诗“奇之又奇，自骚人以还，鲜有此体调”。关于本篇，前人有种种寓意之说，断定是专为某人某事而作的。明人胡震亨、顾炎武认为，李白“自为蜀咏”，“别无寓意”。今人有谓此诗表面写蜀道艰险，实则写仕途坎坷，反映了诗人在长期漫游中屡逢踬碍的生活经历和怀才不遇的愤懑，迄无定论。
李白的作品，以乐府和歌行最为著名，他的豪迈狂放的风格，在这些作品中表现得特别淋漓痛快。乐府和歌行，在诗的形式上，原无分别，如果以乐府曲调为题目，就属于乐府诗，如果自己制造题目，不谱入任何曲调，就属于歌行体诗。“蜀道难”是魏晋时代早就有的歌曲，它属于相和歌辞中的瑟调曲。这个歌曲的内容就是歌咏蜀道的艰难，行旅之辛苦。李白此诗，以《蜀道难》为题，所描写也是蜀道的艰险，所以它属于乐府诗。
艺术教育专业论文
近年来，幼儿艺术领域教育成为幼儿教育的热点之一。这对中等职业学校学前教育专业提出了更高的要求。但目前的中职学前教育专业的教学存在诸多问题，其教学效果很难满足新时期幼儿教育的需要。
近年来，幼儿教育越来越受到社会的关注，幼儿艺术教育成为幼儿教育的热点之一。新《纲要》中把幼儿的学习内容分为科学、社会、健康、艺术、语言五大领域。艺术领域人才的培养，对于学前教育的实际工作具有重要意义。
一、学前教育艺术领域培养目标。
学前艺术教育目标包括：能初步感受并喜爱环境、生活和艺术中的美;喜欢参加艺术活动，并能大胆地表现自己的情感和体验;能用自己喜欢的方式进行艺术表现活动。要注重幼儿的参与，注意培养幼儿的想象力，创造力，表现美、创造美的审美情趣等。
这些新变化要求幼儿教育的教学模式要多样化，其过程要充分体现幼儿艺术教育的综合性、游戏性、审美性和创造性的特点，这对幼儿教师的培养提出了新的要求。针对这些目标，我校学前教育专业开设的主要课程有音乐欣赏、声乐、琴法与伴奏、舞蹈、幼儿舞蹈创编、幼儿音乐创编、幼儿简易乐器演奏、美术、手工制作、学前儿童艺术教育等。
二、学前教育艺术教学存在问题。
(一)学生特点。
中等职业学校的生源以普通高中升学无望的初中毕业生为主，由于近年来国家加大对中职教育的投入，进入中职学校的门槛越来越低，招收进来的新生素质参差不齐，绝大部分学生来自农村，大多数学生所就读的初中根本不重视音乐、美术课，许多学生在艺术方面的知识几乎是空白的。拿音乐来说，有的学生虽然能唱歌但不识谱，乐理知识和音乐常识知之甚少，甚至还有的学生五音不全。由于学生音乐基础较差，又没有养成良好的学习习惯，缺乏自觉学习的能力，进入学前教育专业学习后，面对技术性和操作性较强的音乐学科，很多学生感到不适应，随着学习内容难度的加大，学生更是力不从心。
“兴趣是最好的老师”，学生往往在自己感兴趣的活动中才能显现出更高的主动性和积极性。但现实情况是，一些学生的专业兴趣不强，这会直接影响学生的学习效果。曾有教师对所在学校的153名学前教育专业学生发放了《专业兴趣和艺术素质调查问卷》。从调查结果看，喜欢幼师职业，想从事幼儿教育工作的只有33人;有45人是因为喜欢唱歌、跳舞、弹琴才选择本专业的;有32人是家长选择的，认为学前教育专业好找工作;因为喜欢小孩儿但对幼儿教师工作性质并不了解的有28人;有12人是为了上学有个伴才报名的;还有2人初中都没有念完，推向社会家长又不放心，只想找个地方混日子。真正喜欢本专业，喜欢幼儿教师职业的学生还不到四分之一，可见学生的专业兴趣不强，也说明学生和家长并不了解幼儿教师的职业特点，糊里糊涂就选择了学前教育专业。面对这种状况，教师除正常的教学之外，还必须做出大量的努力，端正学生择业观念，进一步强化学生的专业兴趣;否则教学难度大，直接影响到教学的顺利进行。
(二)教师因素。
中职学前教育专业的艺术教师有一部分来自专业的艺术院校，所接受的都是学院的艺术教育，在从事学前教育专业教育时仍沿用着学院的教学模式。这必然导致在教学过程中重技能轻实践的后果，不能体现学前教育专业的教学特色，背离了培养学生综合艺术能力，促进学生全面发展的初衷。由于近几年中职学前教育专业招生情况较好，教师师资短缺，专业教师承担着超课时工作量，同时还要兼任其他行政工作，根本没有时间深入幼儿园了解行业的实际需求，更没有时间外出学习和培训，只能“闭门造车”。
(三)教学管理与考核制度不完善。
许多中职学校在教学管理方面自由度较大，教学内容和教学进度的安排不成体系，也没有一套规范的学前教育专业学生的考核体系，使学生对幼儿教师标准和应具备的艺术素养及能力缺乏清楚的认识，导致学生对学习的重视不够，学习动力不足。
(四)偏重于对知识技能的培养，忽略相关学科知识整合能力的锻炼。
艺术教育作为学前教育的一个重要组成部分，对促进学生素质全面和谐的发展有着不可替代的作用。但是由于受专业院校教学体系和模式的影响，在幼教艺术领域教学中普遍存在重音乐技巧训练，轻教学能力培养的弊端。比如声乐，主要强调的是发声的状态和位置，对学生教唱的都是一些声乐曲;乐理，主要强调对知识点的把握和运用等，很少提到如何演唱幼儿歌曲，如何运用这些乐理知识创设音乐游戏等。
三、艺术人才培养的具体措施。
(一)主体性原则。
主体性原则是指承认，重视并坚持主体在实践和认识活动中的地位和作用的原则。优质的音乐教育应该是以学生为本，使每一名学生都得到良好的教育。在中职学前教育专业艺术教学中，我们坚持主体性原则，尊重学生的主体地位。在课堂教学中，教师可以灵活运用各种教学法，设计一些可以让学生主动参与的教学活动，如音乐创编活动、小组竞赛等等，来激发学生学习的积极性、主动性，充分发挥学生的潜能，获得更好的教学效果。
(二)创设情境，营造良好的教学环境。
创设轻松、愉快的教学环境，激发学生的学习兴趣，采用生动、有趣的语言和灵活多变的方法。在教学中，教师要化抽象为具体，化枯燥为趣味，且懂得随机应变。如声乐教学中常出现为了追求“高位置”而脱离自然、喉头上提、高音吃力、状态不积极等现象。针对这种情况，如换另一种表达方式——主持人朗诵，并让学生在模仿中体会高位置的感觉，便会收到很好的效果。又如在训练歌唱的呼吸时，用“闻花香”让学生体会深呼吸，让他们尽情去“嗅”，用心去“闻”，这样稍作点拨，课堂气氛就变了，学生的情绪和兴趣也会油然而生。教师用生动、风趣，富于幽默感的语言代替了抽象、难懂的专业术语，用灵活多变的教学方法代替死板枯燥的理论讲解，营造了一种轻松、愉悦的课堂氛围，使学生产生新奇感，激起求知、探究的欲望，从中体验到学习的快乐。
(三)现代化教学手段的运用。
教师要学会运用多种教学手段，特别是多媒体技术等现代教学手段，创设教学情景，给学生带来视觉和听觉上的直观感受，拓展审美想象的空间。现代教学手段的运用还可以打破时空与课堂环境的界限，丰富学生知识。例如在课堂上，教师给学生播放优秀幼儿教学录像，可以让学生在没有深入幼儿园实习的情况下，身临其境地感受未来从业的环境，近距离了解幼儿教学的情况和当前先进的幼儿教学方法，为学生的岗前培训活动奠定基础。
(四)培养学生学科的综合应用能力。
要使我们培养出来的`学生能够适应社会的多元化需求，中职学前教育专业的教师有着不可推卸的义务和责任。要与时俱进，了解当今社会的需求，提高自身的业务素质和教育能力，利用丰富多彩的教育活动和有效的教学策略，加强对学生综合能力的培养。
任何一堂幼儿活动课的教学，不仅仅要用到音乐课程中的节奏、视唱、配弹、歌唱等，在活动前还需要运用美术课程中所学的手工、绘画等来准备道具;活动过程的设计要有幼儿心理学、教育学、卫生学等知识作为教育教学的理论基础;幼儿园活动设计课程的教学应明确地指导学生如何设计教学活动，安排活动的程序，设定活动的环节，表现活动的主题，抓住活动的重难点等;而舞蹈、幼儿体操、童话故事等所有科目的知识技能都能使活动过程表现得丰富多彩，达到幼儿艺术教育的目的。如在歌唱《癞蛤蟆和小青蛙》的教学活动中，在开始部分结合律动，以说唱的形式和小朋友相互认识;通过出示事先制作的手工图案，并结合故事讲解引入活动主题;在节奏、声势的伴奏下让小孩逐渐熟悉活动的主题素材——歌曲;最后在角色扮演的环节综合运用到各种元素，尽量发挥学生的想象力和表演潜能，达到活动的目的，也凸显了活动的重难点。这是一个幼儿歌唱活动教学的案例，却包含了多项相关教学内容，音乐、美术、舞蹈、幼儿园活动设计、幼儿心理学、幼儿教育学、幼儿卫生学、幼儿体操、童话故事等，都为幼儿各项活动的开展提供了条件。对这些课程的学习，促进了学生对理论知识的了解和掌握，提高了学生的专业技能和综合素质，同时也为幼教课开展渗透幼儿艺术活动元素的教学提供了有力的支撑。
(五)创设真实的问题情境，提高学生实践能力。
在当前中职学前教育专业的教学活动中，学生所学与生活中所要解决的真实问题还存在很大的差距，这对学生教育实践能力的培养非常不利。因此，在具体的教学中，教师应从学生的就业实际出发，创设真实的问题情境，引导学生发现问题，分析问题，并利用所学的知识解决问题，使学生以一种特殊的方式体验未来职业中所要面临的真实情境，实现我们的教学目标。
(六)恰当的分层教学。
20世纪中叶，美国和日本等国发展了分层教学，使教学真正面向全体学生，让每个学生都能学有所得，学有所长，学有所用，促进学生个性健康发展。在20世纪80年代，我国普教的一些学校也进行过分层教育系统的研究与成功实验，力图从学生实际出发，使不同层次的学生都能获得进步与发展。
而我国的中职学前教育专业的音乐教学中，大多还在采用传统的集体授课模式，采用统一的教学内容、教学目标和千篇一律的教学方法，这显然不能适应学生的发展。职业学校应更注重学生的个性化发展，教学不能脱离学生实际，在中职学前教育专业的教学中实施分层次教学势在必行。
分层教学具体实施中应注意的几个环节：合理分配和利用时间;分层教学要灵活，随机应变;分层教学中的提问;分层次评价。
对于十七八岁就要进入社会工作的学生，中职学前教育专业的教师应该给予他们更多的理解、尊重和爱，只有深入观察和了解学生，把握教学中每个学生的动态，才能因势利导，因材施教，帮助学生树立学习艺术的信心，使学生能够以最佳的状态投入到学习中去。在实际教学过程中，要学会整合各种教学观点，将不同的教学策略综合运用于实际教学之中，正所谓“教必有法，但无定法”。只要我们努力去探索，教学工作就会越做越好，从而为社会输送合格优秀的人才。
艺术鉴赏心得体会
读毕徐复观《中国艺术精神》。不在具体对中国绘画把握到什么，而是愈发感到学海无涯，一如艺无止境。因之茫茫不知所之。
对音乐与文学的热情自不待说，读朗多尔米《西方音乐史》爱上欧洲的歌剧，读徐复观《中国艺术精神》又爱上中国的山水画……读杜诗的悲苦，爱上李白的雄奇;读小李杜的清淡，冲不掉对豪放词之喜爱;读到此书第十章第五节，想去读赵孟頫的文集……现在，兴趣愈广，而愈不晓得论文该写什么——其实很多领域都是很可深入的。
持续增温或恒温的“国学”，如果以塑造“成”人为旨，那么必定是要囊括以艺术的。文史哲的融会贯通，实在是替不得琴棋书画的陶冶性情。显见，中国的文论和画论是那么的神形俱似，然而实在少有一片园地，愿意接纳这样方向的“学术”论文。实际上亦少有这样的尝试机构。
书中玄理味较浓，大约是少分析艺术作品的缘故。虽然作者不是一个艺术家，但研究思想史之学者有如此眼光与心性关注艺术者毕竟还是少之又少。
通常情况下，高超的技艺与深刻的学养难以在一个人身上集中。所以艺术史家不是艺术家，艺术家亦难以有纯学术的阐释。
——然而这只是奢求不可遇么?
油画艺术鉴赏
舞蹈作为一种艺术形式，能够很好地表达出表演者个人的情感。
舞蹈中最为我所了解的是拉丁舞。拉丁舞中的伦巴、恰恰是初学者的必修课，从这两种舞蹈中，我们可以窥视到拉丁舞的部分内涵。
伦巴（rumba）英文rumba的音译，用r表示，也被称为爱情之舞，拉丁舞项目之一。源自十六世纪非洲的黑人歌舞的民间舞蹈，流行于拉丁美洲，后在古巴得到发展，所以又叫古巴伦巴，舞曲节奏为4/4拍。它的特点是较为浪漫，舞姿迷人，性感与热情；步伐曼妙有爱，缠绵，讲究身体姿态，舞态柔媚，步法婀娜款摆，若即若离的挑逗，是表达男女爱慕情感的一种舞蹈。伦巴是拉丁音乐和舞蹈的精髓和灵魂，引人入胜的节奏和身体表现使得伦巴成为了舞厅中最为普遍的舞蹈之一。
伦巴常常用音乐来引起人们舞动的欲望，从此出发来吸引男女表达自己的爱慕之情。伦巴的实际功用就由此体现出来。伦巴一般是在成熟的男女之间的舞蹈，挑逗意味更大，但也更加含蓄，他们的舞蹈动作让你很快的就可以看出两个人的关系。有人说，探戈是情人之间的舞蹈，那么伦巴就是夫妻之间的华章。伦巴不像探戈那样，时时处处都带有一种防备的气息，防备着别人发现他们之间的关系。伦巴是夫妻之间光明正大的互动，只是因为双方早已经成了最熟悉彼此的人，不必那么张扬，也不必遮遮掩掩。而另一种具有代表性的舞蹈——恰恰则起源于墨西哥，虽与伦巴有很多相通的地方，但它俏皮欢快，风格与伦巴截然不同，动作潇洒帅气而又充满活力。恰恰表演应该是充满热情的不能有严肃味道，并加有断音奏法，使舞者能够制造出“顽皮般”的气氛给观众。这种顽皮的意味就更体现出了恰恰和伦巴的实际功用的不同。
恰恰相比伦巴，节奏更加轻快，气氛更加活泼，更多的是年轻的舞者选择恰恰来作为表演项目。恰恰的舞蹈动作中，有许多花样繁多，难度较大的花式舞步，动作频率快，幅度大，气氛更加活泼激烈。大多是未婚的男女对此类舞蹈情有独钟，他们用激烈的、明显的、活泼的方式来互诉衷肠，表达对舞伴的爱慕之情。对伦巴和恰恰的舞蹈形式的理解越深，对它们背后的文化也就理解的越深。它们的背后体现的是拉丁美洲人民的热情和奔放。众所周知，拉丁美洲被称为移民之洲，黑人、白人、印第安人等等都安家在拉丁美洲。于是拉丁舞或多或少会体现出黑人舞蹈、西班牙舞蹈、印第安人舞蹈的特点：
1.上半身，尤其是肩部应巍然不动，体现了西班牙人的高贵，是拉丁舞中白人文化的精髓体现。
2.身体中部，包括腰部和胯部应尽情地扭动，彰显了非洲文化活泼、外向的特点。3.下半身，腿和脚的动作起源于印第安人的文化，拉丁舞中的舞步有一些是起源于此。
油画艺术鉴赏
机电工程学院。
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向日葵的花语是信念、光辉、高傲、忠诚、爱慕，向日葵代表着勇敢地去追求自己想要的幸福。向日葵的花姿虽然没有玫瑰那么浪漫，没有百合那么纯净，没有兰花那么无邪，但它阳光、明亮，爱得坦坦荡荡，爱得不离不弃，有着属于自己的独特魅力，而且，它绽放的不仅是爱情，还有对梦想、对生活的热爱。当花朵在阳光底下慢慢伸展，当阳光刺透它薄弱的叶，那天生与阳光最搭配的花朵，高贵又不失风度，看着天空，它好像希腊神话里的阿波罗，他是高贵的太阳之子。向日葵是我最喜欢的花朵，因为我爱着它不计名利的完全绽放。爱它对阳光的无限渴望，它永远不追随别人的脚步，它只跟着光，跟着它的信念，也只有光。我无意中在画册上看到了一个画家所画的的向日葵，这幅画直击了我的心灵，震撼了我的灵魂。我认为这是无限爱生命的人才能用画出油画《向日葵》，至少也是因为喜爱向日葵啊，然而让我迷惑的是，画向日葵不正是代表爱生命的表现，为何画家在艺术面前走向自我毁灭呢？既然怀有无限热情，又为何在大好年纪放弃了艺术，选择了死亡。于是我开始关注他的生平，追问画家是何人，原来他就是梵高。我问过我的同学和老师，很多年过去了，梵高为什么让人久久不忘，让人动容。有人说是他的画，是啊，一个画家最重要的还是他的艺术作品，风吹过的麦田，迷人的星空，美丽的果园，金色的向日葵，他不曾放过一丝生活细节，他着迷了色彩，那种有强烈感觉的色彩，冲击感，那个世纪，也只有梵高做到了。正如他所说：“画面里的色彩就是生命中的热情。梵高一生命运多磨难，他屡遭挫折，艰辛备尝，在仅仅37岁的生命里，他把最重要的时期留给了艺术，而事实上他生前却从品尝过艺术带给他的荣誉，贫困潦倒，用来形容他是最好不过了，他到处流浪，也曾遇到过爱情，和一个遭遇过生活摧残的女性，梵高收留了她，女人也给了他不岑有过的温暖和幸福，可梵高太执着艺术了总是把艺术放在第一位，试问又有几个女人能接受吃不饱，穿不暖的生活呢，更何况是经常饱受困苦的女人，所以离开了梵高，为生计所迫，梵高失去了爱人，可他却未曾抛弃艺术，我想这也许就是他后来被人熟知的原因吧。就像他说的生活对我来说是一场艰难的旅行，但我又怎会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会长的更高呢？但我将奋斗，我将生活变得有价值，我将努力战胜并赢得生活。生活在低处，灵魂在高处，这就是梵高，他不是残疾人，他是油画艺术里的巨匠。文森特梵高出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。梵高年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎，和印象派画家相结交，在色彩方面受到启发和熏陶。他在学习前辈伦勃朗等人的基础上，吸收印象派在色彩方面的经验，并受到东方艺术的影响，形成了自己的艺术风格，以此，人们称他为“后印象派”。梵高早期只以灰暗色系进行创作，使用荷兰传统的褐色调，直到他在巴黎遇见了印象派与新印象派，融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风。他最著名的作品多半是他在生前最后二年创作的，期间梵高深陷于精神疾病中，其最后在他37岁那年将他导向自杀一途。梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的两年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，后期他又远离了印象派因为印象派对外部世界瞬间真实性与他理想的精神状态相去甚远，他天生就是热情如火，后来，他不用线条而是用环境衬托形象，他笔下的人物风景无一不带着这一因素，既生动又活泼。所以他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西，这就是太阳。他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。太阳代表了热情，凡高用自己的热情，来感染着每一个看到他画作的人，仿佛是救赎，又仿佛是光芒万丈，闪耀着人间独特的真实，又有不存在人间的圣洁光芒，它让你感到纯粹，干净。
人们如果真的看到了并相信了美好纯粹的信念，那么生命则将是永存的，梵高将这一信念融入到了画里，希望人们懂得它所表达的意义，这就是梵高的愿望。可是在那个年代里，物欲纵横的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱，他是理想主义者，他需要世人给他理解和尊重，病发之时陷于狂乱，病过之后则更加痛苦。他减掉了自己的耳朵，是因为无人愿意倾听他的心声他不愿成为家人朋友的负担和累赘，因为没有谁懂得它痛苦的内心，自杀身亡，或许能够减轻他的苦痛和灾难，他就这样随死神走了，享年只有37岁。梵高最有名的作品是这幅画有16朵的《向日葵》。他用他神奇的想象力，赢得了赞扬，描绘了对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生，这或许就是他与向日葵早早结下的不解之缘吧，向日葵表达了他的内心，火热强烈甚至是燃烧，在艺术上的他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他的房间。他爱这种朝着光与热开放的花，向日葵是太阳之光，是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，亦是热爱生命选择生活的表现，但为何却成了梵高苦难生命的缩影。他自己则成了向日葵的背叛者，如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。梵高身为一个画家，成就了艺术却蔑视了生命。纵然有向日葵这样的名作，却也落下了悲苦一生的结局，明明是光的追求者，却不得不在暗处流浪。他一生追逐着光明选择了光明却不得不投身黑暗，这未尝不是一种悲剧。
梵高一生中共作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美术馆展出。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，他就是那《向日葵》，他的向日葵花得都是自己的缩影。以前听过一些报道见到梵高《向日葵》原画泪流满面，那时猜想不过是几幅画作，真的可以让你感动至深吗？可当我见到这幅《14朵向日葵》时，也不由黯然叹息：不停的工作，不停的工作，真是一个工作机器，只有工作能让他忘记了俗世，忘记了生活所给予的的苦难，也只有工作让他注满了心血，注满了他对生活的无限渴望，他未曾不爱生命，造化弄人罢了。
从梵高开始画了一组向日葵油画后，向日葵就属于梵高。再也没有人像梵高一样，在向日葵上寄托着的情感厚重，细腻。《14朵向日葵》隔邻是高更的《梵高画向日葵》从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情！梵高化的向日葵好像在燃烧，在着火，浮雕般色彩如此强烈厚重，感情笔触如此饱满有力，一朵朵天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花在黄色与蓝色中脱影。梵高爱向日葵就像我们国人所说的风骨，陶渊明独爱菊，郑板桥爱竹子一样，向日葵是追光拜日的希望之花。画向日葵即画太阳，也是自画。当太阳、向日葵及梵高融成一体。梵高和向日葵共同谱出相濡以沫生命与共的蓝与黄交响乐章，那是最美的和弦之声，《向日葵》是其悲剧一生的象征物也是他一世的才华。梵高强烈地爱上了遍地生长的生机勃勃的向日葵及炙热目眩般的阳光。他不无自嘲：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加，越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。梵高啊，梵高，你知道吗，追求光与热，本来就是人类的天性，人们的奸诈与势利，把双眼蒙蔽了，一颗真诚善良的心比任何东西都高贵。你用你的双手又换回多少泯灭的良心与灵魂，你从心底灵魂呐喊的声音，刺透了天空与大地，向日葵是战士，是你不屈不挠地反抗下的产物。
梵高是天才，也是疯子。你说他陷入癫狂割下自己的耳朵，可他偶尔清醒冷静得可怕。他要求寂寞，他要求在精神病院度过，向日葵用色如此大胆强烈，恐怕是因为他清楚地知道：岁月是把杀猪刀，时间能让一切冲淡甚至过于暗淡。只有那重重的色彩，才能让向日葵保持着生机，不至于过早枯萎，哪怕枯萎，也要奋不顾身地绽放，只有绽放，才是它生存努力的理由。我们都爱梵高的光与热,因为我们正常聪明世故得不会把自己逼向绝境。可梵高不同，他有一颗过于追求完美的心，他想有人了解，梵高知道高更喜欢他的向日葵多于莫奈的向日葵而高兴万分。高更这么形容：在我的黄色房间里，带紫色圆环的向日葵突出于一片黄色背景之前，花梗浸在一只黄色壶中，壶放在一张黄色桌上。金黄色的太阳透过我房间里的黄色窗帘，生气盎然沐浴在一片金黄色中。梵高是单纯的，是理想主义者，他仅用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》，堪称梵高的化身，也可说是他的代表作。梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。因为黄色这能表达它所表达的情感。
尽管向日葵那么美，高更因艺术理念分歧离开了梵高，梵高是个对艺术由衷喜爱的画家，他穿着棉袄，混在农民中间，在大地里，在果园里，在纺织机前，甚至是农民的饭桌前，这些都带给给他灵感，他疯狂地为之着迷，及时风吹日晒，即便大风滚滚而来，他也坚持在户外感受着大自然带来的光与热。高更无法与这样的梵高相处最终离开了。也许他认为他是疯子，可这不也正是梵高让人动容的原因吗。画了向日葵后的梵高便是金黄色的化身，把这金黄色的火焰撒遍天际田野，也涂上夜晚的星空，卷成旋涡直到麦田群鸦乱飞，才举枪结束了这场金黄色的癫狂。金黄色从此属于梵高。
生前寂寥、死后荣耀的画作一九七八年，在伦敦拍卖会上，梵高的《向日葵》以大约五十九亿日元的天价被日本人买走了，这个消息震惊了全世界。无论是有钱人的附庸风雅还是《向日葵》真的找到了会欣赏它的人。梵高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。梵·高笔下的向日葵，像闪烁着的熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室(友人之家)的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵·高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过:“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。凡·高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样:“关于艺术'一词，我找不到比下述文字更好的阐释:艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。”作为一位用生命创作的画家，梵·高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。
艺术鉴赏
艺术是生活中不可或缺的一部分，它以独特的方式表达情感，为我们带来思考和启发。通过艺术鉴赏，我们可以更深入地理解艺术作品的内涵和意义。我在艺术鉴赏中积累了一些心得体会，以此来分享我的感悟和思考。
首先，艺术鉴赏是一种感官和理性结合的过程。当我第一次欣赏到一幅名画时，我被色彩的搭配和线条的流畅所吸引，这是一种直观的感觉。然而，通过深入了解画家的背景和作品的历史背景，我才能够真正理解画中所含的更深层次的意义。艺术家通过色彩、线条、形状等元素，用自己的方式表达内心情感和思想，这让我深受启发。我意识到，艺术创作不仅需要直观的感受，还需要理性的思考和解读。
其次，艺术鉴赏可以拓宽我们的视野和思维方式。通过欣赏不同类型和风格的艺术作品，我了解到不同艺术家和不同时期的创作方式和表达方式，这对我理解多元文化和不同思维方式有很大帮助。每个艺术作品都有其特定的文化和背景，通过欣赏和研究这些作品，我懂得了尊重和欣赏不同文化的重要性。同时，艺术作品也可以引发我对社会问题的思考，例如一幅反映环境问题的油画，或者一首歌曲表达的社会批判。通过与艺术作品的互动，我开始更多地关注社会问题，并思考如何以艺术的方式来表达自己的观点。
然后，艺术鉴赏是一种对美的追求和欣赏。在生活中，我们常常被琐事和压力所束缚，很少有时间和机会去欣赏美。然而，通过欣赏艺术作品，我可以洗涤心灵，体味美的存在。艺术作品以其自身的美感和独特之处，给我带来平静与宁静。无论是一幅油画、一首诗歌还是一段音乐，它们都在默默地传递着艺术家的情感和灵感，让我感受到美和喜悦。这种美的追求不仅让我忘却生活的烦恼，还激发了我的创造力和想象力。
最后，艺术鉴赏是一种表达自我的方式。在日常生活中，我们常常被规则和约束所限制，很少有机会展现自己真实的内心世界。而通过欣赏艺术作品并尝试自己的创作，我可以借助艺术来表达自己的思想和情感。艺术作品可以是留言、绘画、舞蹈等等，它们都可以成为我表达自我的媒介。通过自己的创作，我可以找到内心的平衡和满足，同时也可以通过艺术与他人分享我的感受和想法。
总之，艺术鉴赏是一种独特的体验，它可以让我们感悟美的存在，拓宽视野和思维方式，并表达自我。通过欣赏艺术作品，我领悟到了艺术的力量和价值，开始更加关注艺术，并以此来丰富生活。我相信，艺术将继续陪伴我们的生活，为我们带来美和温暖。
艺术的鉴赏心得体会
艺术是人类创造力和想象力的结晶，是人们对生活和世界的思考与表达。而对于艺术的鉴赏，则是一种审美的体验和感知过程。近日我有幸参观了一场艺术展览，此次经历让我深感艺术的独特魅力以及对我的内心产生的深远影响。下面我将从艺术作品的感染力、艺术语言的丰富性、艺术的时代背景和对个人情感的触动等方面，分享我的艺术鉴赏心得体会。
第一段，我惊叹于艺术作品的感染力。当我走进展览馆，第一幅作品就震撼了我的内心。那是一幅抽象画，色彩斑斓、动感十足，仿佛代表着作者对生命的激情和追求。我凝视着那些线条和颜料的混合，感受到作者灵魂深处的狂野和自由。通过这副作品，我感受到了艺术所传递的力量和某种释放自我的渴望。这种感染力，迫使我停下脚步，细细品味每一幅作品所蕴含的情感和故事。
第二段，艺术语言的丰富性是我在鉴赏过程中不可忽视的一方面。在展览中，有些作品是绘画，有些是雕塑，还有些是影像装置等等。每种形式都以独特的语言表达着艺术家的创作意图。例如，一件青铜雕塑，通过对人体线条的捕捉和纹理的处理，创造出一种力量和美感的结合。与此相对比的是一副细腻入微的水彩画，它柔和的色调和细腻的笔触勾勒出了一种优雅和浪漫的氛围。通过对这些多样的艺术语言的体验，我不仅开阔了审美视野，也学会了欣赏不同形式的艺术作品。
第三段，艺术作品所处的时代背景也是我在鉴赏过程中关注的一点。艺术家往往会受到时代背景的启发和影响，他们通过作品来表达和反映自己对社会、文化、政治等方面的思考和态度。在展览中，我看到了反映当代社会问题的作品，也看到了受到古代文化传统启发的作品。例如，有一幅关于环境保护的装置作品，通过逼真的雕塑和影像表现出了人类对自然环境破坏的警示。而另一幅以中国传统绘画风格为基础的作品，则表达了对传统文化的尊重和传承。通过关注这些作品的时代背景，我能够更好地理解艺术家所表达的意图和思想。
第四段，艺术作品对个人情感的触动也是我在鉴赏中深感的一点。每个人都有自己的情感和经历，而艺术作品往往能够触动和激发这些情感。在展览中，有一副油画作品描绘了一个留盏的孤独老人，令人感到一种深深的伤感和同情。当我凝视这副作品时，我的内心不由自主地涌出了对孤独、孝顺和生老病死等主题的思考。这种对个人情感的触动，让我更深刻地理解到艺术作品对于人类情感的治愈和沟通的力量。
第五段，通过这次艺术鉴赏的体验，我对艺术的价值和意义有了更深刻的理解。艺术不仅仅是美的享受，更是对人类灵魂的滋养和启迪。它能引起我们对生活的思考，给予我们一种审美的愉悦和精神上的满足。艺术作品的感染力、语言的丰富性、时代背景和对个人情感的触动，都让我领略到了艺术的无穷魅力和价值。在未来的日子里，我会更加积极地参与到艺术的鉴赏与传播中，以期能对自己的情感和思维更深层次的发展和提升。
艺术鉴赏的心得体会
第一段：引言（150字）。
艺术是人类精神的结晶，艺术鉴赏则是欣赏艺术作品的过程。自从我接触艺术以来，我对艺术鉴赏产生了浓厚的兴趣，并从中获得了许多心得体会。艺术鉴赏让我学会欣赏美丽、感受情感、拓展视野与提升审美品味。在接下来的文章中，我将分享一些自己的心得和感悟。
第二段：欣赏美丽（250字）。
艺术作品的美是一种无法用言语表达的感受。在艺术鉴赏中，我学会了欣赏美丽。通过观赏绘画作品中细腻的线条、柔和的色彩，我逐渐熟悉了美的构成要素。在音乐中，我倾听着悦耳动人的旋律，感受其中蕴含的情感与力量。在舞蹈中，我看到舞者们挥洒自如的舞步，感受到了身体的美感与灵动。艺术作品中的美丽引发了我对生活、自然和人类创造力的更深层次思考。
第三段：感受情感（250字）。
艺术作品是艺术家情感的呈现与传达。艺术鉴赏中，我学会了感受情感。当我观赏一幅描绘大自然的画作时，我仿佛置身其中，感受到了绘画家对大自然的热爱。当我欣赏一首激情四溢的音乐时，音符中蕴含的悲喜交加的情感触动了我的内心世界。艺术作品中的情感让我更加敏锐地感受到自己的情感，也开阔了我对他人情感的理解和共鸣。
第四段：拓展视野（250字）。
艺术作品跨越了时间和空间的限制，展示了不同文化和历史的脉络。艺术鉴赏中，我学会了拓展视野。在博物馆里，我领略到了古代文明的辉煌，了解到了人类历史的变迁。在国际艺术展览中，我见证了不同国家和地区艺术家们的创作风貌和审美观。通过艺术作品的欣赏，我逐渐拥有了一双看世界的眼睛，能够更加客观地认识和理解不同文化，注重多样性与包容。
第五段：提升审美品味（300字）。
艺术鉴赏是培养审美品味的过程。当我在艺术作品中领略到美的独特之处时，我对艺术作品的评价和选择过程也越来越理性与准确。我开始学会尊重艺术家的创作意图，同时也能从作品中体会到其独特之处。慢慢地，我开始发展出自己独特的审美风格和品味，能够判断不同艺术作品的价值和魅力。审美品味的提升进一步丰富了我的生活，使我在日常生活中也更加重视美的存在。
总结（100字）。
艺术鉴赏的心得体会包括欣赏美丽、感受情感、拓展视野和提升审美品味。通过对艺术作品的观赏和思考，我深刻体会到艺术的独特魅力和力量。艺术鉴赏让我更加积极地面对生活，感受到美的存在和力量。同时，艺术鉴赏也是一种精神的享受和修养，让我在快节奏的生活中保持一份宁静和想象力。通过不断的学习和实践，我相信艺术鉴赏将成为我人生中不可或缺的一部分。