人的记忆力会随着岁月的流逝而衰退，写作可以弥补记忆的不足，将曾经的人生经历和感悟记录下来，也便于保存一份美好的回忆。写范文的时候需要注意什么呢？有哪些格式需要注意呢？下面我给大家整理了一些优秀范文，希望能够帮助到大家，我们一起来看一看吧。
服装论文参考篇一
17世纪，意大利的“宴会芭蕾”被带到了法国，在法王路易十四时期发展到了鼎盛，称之为“宫廷芭蕾”,芭蕾舞剧由于都是由宫廷组织，优秀的舞者均是法国皇室成员，芭蕾舞服装多带有浓厚的“巴洛克”风格，服装风格异常华丽，装饰细节比较多，剪裁、缝制固然精致，但更重视衣服表面的装饰效果。由于早期的芭蕾舞服装十分注重奢华和细节，给人一种隆重夸张的感觉，但缺少了服装的功能性和舒适性，限制了表演者的自由度，很大程度上阻碍了芭蕾舞的发展。18世纪，芭蕾舞服装进行了一次重大改革。法国大革命之后，出现了“浪漫芭蕾”。在这个时期，芭蕾舞服装确定了沿用至今的经典款式——紧身胸衣加钟形薄纱舞裙，裙子的长度可以短到小腿的中间位置，整件舞衣用多层纯白的绸布与薄纱重叠制成，质地柔软飘逸。舞蹈者还要穿上紧身的底裤，配浅红连袜裤，服饰朝着轻薄化发展，便于演员展现大跳、打脚等舞姿。如《仙女》中，首演玛丽•塔里奥尼身穿的舞裙，它的上半身为露颈的紧身胸衣，短而夸张的泡泡袖，胸前佩戴一朵小花，下半身的裙子像一朵倒置的、半盛开的花朵，长度到脚踝以上、膝盖以下，背上装点着白纱制成的小翅膀，整件舞衣质地柔软、飘逸，成为“浪漫芭蕾”时期的典型舞裙。“白色纱裙”的形式对后世的芭蕾服装产生了决定性的影响，在芭蕾舞发展史中具有里程碑的意义，推动了芭蕾舞的革新和发展。到了1880年，芭蕾舞裙继续缩短，开始裸露出整条腿，称为芭蕾短裙（tutu），在十九世纪成为芭蕾舞的标准裙。20世纪，芭蕾舞进入了“现代芭蕾”时期，芭蕾舞服装的样式又发生了巨大的变化，不仅舍弃了过去那些古典传统款式中隆重的装饰，服装设计形式也多采用艺术化和功能性强的服饰。演员在表演的过程中，服装的束缚越来越小，服装设计着力体现表演者的舞蹈线条和身体曲线。1912年瓦斯拉夫•尼金斯基编导的《牧神午后》出现在芭蕾舞台上，牧神穿着画有彩色斑点的紧身上衣，头上戴着两只弯角，而女神则身着宽松薄纱上衣，画着粉红眼线，这种服饰打破了当时芭蕾固有的形式，引起了轩然大波。而后不久上演的《春之祭》更是引来了激烈的争论——祭祀舞蹈时男演员都穿着宽松的黑色长裤，裸露上身，女演员则穿着透明的丝质吊带长裙。这些充满争议的芭蕾作品使得芭蕾服装的设计有了更大的空间。随着社会的发展，芭蕾舞的服装与造型历经多次变革，如今，芭蕾服装在设计时多会以历史背景为前提，融入不同时期的不同元素，也会依据所在国家和地区的服饰特点进行相应的设计。
2中央芭蕾舞团芭蕾舞服装设计
《红色娘子军》的服装设计
芭蕾舞剧《红色娘子军》是中央芭蕾舞团几十年来的保留剧目，也是最早的具有中国特色芭蕾舞剧的典范，它为传统的芭蕾舞服装带来了一次全新的革命。《红色娘子军》结合了中国的国情，根据中国人的欣赏角度、中国民族舞蹈的特点，史无前例地将有中国红军特色的军装搬上了舞台。剧中，娘子军战士一律身着军装式上衣、短裤、绑腿，展现了典型的红军形象，再加上齐耳的短发、带红星的军帽，使演员们显得精干利落，同时也折射出故事发生地海南炎热的地域特征，既符合现实生活中海南人的生活习惯，又为芭蕾舞腿部、脚部的技术运用创造了条件，可谓一举两得。剧中各色人物的服装也都具有独特的年代和身份特点，比如反面角色南霸天、老四、南太太，设计师从服装的面料选择到款式设计都有意体现出每个角色身份的不同：带有光泽的真丝缎，印有吉祥图案的织锦缎，长衫马褂，这些都是那个时期典型的土豪劣绅形象。在群舞舞段的设计上，设计者借用民族舞的服装特点，与芭蕾舞大胆结合。比如第二场的“五寸刀舞”，肥大的蓝色长裤，红色背心外面配上白色的扎腰短衫，形象地刻画了海南赤卫队员火热的革命斗志；第三场中的“黎族舞”，选用海南特有的少数民族——黎族的服装样式，在其特色服饰中加上巧妙的补丁设计，充分表现了海南地区黎族姑娘被压迫的境况；第四场中的“斗笠舞”，用粗糙、朴实的面料和简单的中式造型设计，表现了父老乡亲慰问红军，军民鱼水情，军民一家亲的热烈场面。此外，男女主演的服装也具有独特的人物特点，女主演琼花开场被恶霸地主南霸天鞭打时，服装是带有伤痕、破洞的，袖口和裤脚参差不齐，男主演洪常青在“就义”时，为表现受伤被俘、慷慨就义，服装也都是破破烂烂、布满血迹的，这与传统的芭蕾舞服装风格很不同。众所周知，传统的西方芭蕾舞剧模式，主人公多是王子与公主的形象，芭蕾舞服装也讲究精致、华丽，并且能够很好地展现演员自身的形体条件，但是娘子军的服装打破了传统。这种朴实、保守、具有年代特点的服装却十分符合中国观众的审美心理，也拉近了芭蕾舞这种西洋“舶来”艺术与中国观众的距离。
《大红灯笼高高挂》的服装设计
2001年，中央芭蕾舞团将电影《大红灯笼高高挂》搬上舞台，该剧除了用“足尖上的艺术”展示凄婉的戏剧情节外，在舞蹈中还融入了大量的民族舞、现代舞和京剧手法。服装设计上，处处体现着中国元素。故事发生在中国20世纪30年代，讲述了妻妾成群的“老爷”与其3个姨太太以及姨太太与昔日恋人之间畸形、曲折的关系。为准确营造故事的历史环境，设计时大胆使用了具有年代特点的旗袍作为女演员的舞台服装。旗袍是中国女性的传统服饰，能够体现出中国女性的端庄、秀丽，这在芭蕾舞剧表演上绝对是一次新鲜尝试。为了不妨碍演员形态多变的舞蹈动作，在制作过程中，所有旗袍都在必要部分进行了特殊处理，并包裹紧身的袖子，这样可以清楚地欣赏到演员的手臂动作，裙摆的高开衩和褶纱处理方便演员的舞蹈动作。演出中，旗袍的设计不仅没有影响演员的舞蹈动作和表现力，反而给观众留下了深刻的印象。剧中男群舞演员则身着形似中国古代铠甲的家丁服装，每次出场时都能烘托出一种严肃、威严的气氛。舞剧中最大的亮点是采用了原汁原味的京剧，打扮得花团锦簇、全身披挂的京剧演员在前面表演武打场面，唱念俱全，穿着绣有传统花卉图案戏袍的芭蕾舞演员在后面迈方步、掷着水袖，这在舞台的声、色效果上有大胆的创新和突破，极富震撼力。此外，每个角色的服装都有各自的色彩，每种色彩都表现着角色独特的人物性格。老爷的三套服装均为黑色，是权力和封建势力的象征，胸前的文字图案，简单明了的表现了剧情的发展——迎娶时，胸前绣有“”字的喜袍，做寿时穿的绣有“寿”字的寿袍，还有当捉住大胆越轨的三太太时穿着绣有代表愤怒图案的怒袍。女主演的服装一直是中国人喜欢的红色，抢眼的红色即代表人物的身份，也表达着不同的含义。从上花轿、做寿时喜庆的红，到与青梅竹马的恋人相会时，充满热情、喜悦的红，再到结尾时被家丁乱棍杖毙残忍的、血腥的红，虽都是红色，但是不同的红色服装代表了不同的剧情发展。可以说，《大红灯笼高高挂》对传统意义上的芭蕾做了多种突破，整个演出的服装充满了浓厚的东方情韵，在保留传统芭蕾元素的同时，将中国京剧、中式特色服装与当代芭蕾进行了完美结合，是一部极具观赏性并有着深厚中国文化特色的经典舞剧。
3结语
用西方古典的芭蕾舞演绎中国的故事，中央芭蕾舞团在一部部舞剧经典中，成功地用中国特有的民族文化为芭蕾增添了新的活力，也为芭蕾服装这一造型艺术注入了新的生命力。《红色娘子军》、《大红灯笼高高挂》等舞剧的服装设计，无疑是中国芭蕾舞造型的成功例证。可见，服装是芭蕾舞艺术的重要组成部分，对展示人物性格、推动剧情发展起着重要作用。其设计需要考虑舞剧的时代背景、民族特色、人物身份，并为演员提供足够的舞蹈舒展度，保证演员的不同舞蹈动作伸展自如，都能给观众以美的感受。
服装论文参考篇二
服装流行色预测是指应用特定的方法判断并给出24个月后服装的色彩流行趋势定案.定案能为企业提供未来服装销售季节中色彩流行的相关信息,有益于服装企业合理制定生产方案和营销策略.服装流行色定案在传递中的滞后性和保守性制约了流行色商业价值的发挥,促动了服装流行色预测研究的发展.虽然一些理论和方法已被应用到此研究领域,并取得了一定的成果.但是,总体来说服装流行色预测研究还处于探索阶段,存在不足和争议,预测的有效性依然是纺织服装行业亟待解决的问题.
本研究的创新点主要体现在：1）针对服装流行色预测研究中存在的色彩量化的无标准、不统一性,提出了基于pantone色彩体系的色彩量化和分类准则,为规范色彩的量化提供了参考,搭建了主观色彩与客观计算机色彩应用间的桥梁；2）探讨了不同长度的时间序列,即进行服装流行色预测的年份参数,对服装流行色预测模型预测效果的影响,为服装流行色流行预测研究提供了理论依据；3）提出了基于主导色相的服装流行色的明度和纯度的预测方法,丰富了服装流行色的研究理论体系.本文所做的内容主要包括：
第一章为绪论部分.对服装流行色预测知识、研究现状进行介绍和评述.通过对国内外服装流行色预测研究文献的分析,概述了这一研究领域达到的研究水平、存在的不足,继而提出本文的研究目的、研究思路和研究方法.
第二章研究了服装流行色定案的量化与分析.针对色彩的主观性和研究中存在数据来源不统一、色彩量化复杂等问题,提出以国际色彩委员会发布的2007-2013年国际春夏女装流行色定案为研究对象,以pantone色彩体系为色彩量化和分类的工具.确定了对pantone色彩体系的色相、明度、纯度区间分类的依据和标准,通过对量化数据分析获得定案的特征.
第三章探讨了基于灰色系统理论的服装流行色色相的预测研究.根据色相在定案中的重要性,以及色相数据变化的非线性特征,提出采用灰色系统理论构建服装流行色色相预测模型的研究.通过设计不同长度的时间序列：4年、5年和6年,探讨了时间序列长度对预测模型预测效果的影响,研究以平均绝对误差(mae)作为预测效果的评价指标.但灰色gm(1,1)模型对数据光滑性要求较高,进行色相预测时不能对所有数据完成预测,其普适性受到限制.
第五章和第六章分别进行了服装流行色明度和纯度的预测研究.针对已有研究中缺少色相、明度和纯度内在联系不足,提出了建立在主导色相基础上的明度均值和纯度均值的预测研究.分别以定案中10类色相对应的明度和纯度数据为研究基础,完成了服装流行色明度和纯度的预测.
第七章为结论与展望.给出了本文获得的主要结论,同时指出研究中尚存的问题以及未来研究中需要拓展的方向和思路.
服装论文参考篇三
二、服装设计与工程专业本科生应具备的能力
针对服装设计与工程专业本科生应具备的专业知识，应着重对以下能力进行培养：1.熟悉服装产品的生产流程，具有较强的在服装产品生产一线从事工艺设计、产品检验和解决服装产品生产实际问题的能力；2.熟悉服装面料的开发技术，具有较强的新型服装面料的设计、分析和开发的能力；3.熟悉服装产品的技术法规，具有较强的服装产品及其加工材料开发实验的能力；4.熟悉服装设计与加工工程项目的组织实施和管理过程，具备综合运用经济、工程管理等知识和方法进行工程项目组织管理的能力。这四种能力均需要通过在服装企业第一线的感性认识和真正融入其中亲身体会才能得到有效培养，从而具备这些能力，因此实践环节的设置在服装设计与工程专业本科培养计划中显得尤为重要。
三、服装设计与工程专业本科生企业实践环节设置
根据服装设计与工程专业本科生能力培养要求,将培养计划中的课程分为两大模块,分别为服装结构与工艺系列课程和服装艺术与设计系列课程。这两大模块的课程根据从简单到复杂、循序渐进的原则从第一学期一直覆盖到第七学期，每一门重要的理论课程均配置了相应的企业实践环节，以突出学生实践能力的培养。在服装结构与工艺系列课程中，首先通过到服装企业四周的服装工程认知实习使学生对服装企业的实际运作流程有一个全面和感性的认识。接着分别有对应于服装结构与工艺（一）（二）（三）配套的服装工艺实习（一）（二）（三），让学生掌握裙装、裤装、衬衫的制作工艺，由易到难，循序渐进。然后通过四周的服装工程岗位实习，使学生定岗在企业的岗位上对服装工序和具体操作进行深入实习。随后进入与职业装专项设计与制作的职业装课程设计，深入职业装生产企业和邀请企业资深制版师给学生讲解职业装实际制作中要注意的问题。接着进行四周的服装工程见习实习，就某个具体的项目深入实习，让学生带着问题有目的地去企业实习，培养学生解决实际问题的能力。随后开始与创意成衣专项设计与制作配套的创意成衣课程设计和与服装工业样板设计与管理配套的工业样板企业实践，使学生在专业领域在服装企业深入地实习。如此形成服装结构与工艺系列课程的企业实践环节的教学工作。在服装艺术与设计系列课程中，职业装专项设计与制作和创意成衣专项设计与制作两门课程由于跨越设计与结构工艺两大领域，所以为两大模块所共有课程，也解决了以往设计与结构工艺课程脱节的“顽疾”。礼服课程设计作为礼服专项设计与制作的企业实践环节，旨在让学生去礼服生产企业了解礼服生产第一线的实际操作流程，实战性和技术性很强。
四、服装设计与工程专业本科生培养中采取的措施和取得的实际效果
服装论文参考篇四
1.服装产业的发展现状。
在国家“十二五”规划中，大力发展文化产业，推动了传统的纺织服装产业的转型升级和创意设计的人才需求。2011年10月3日，总理到绍兴轻纺城创意基地考察，以传统纺织业为主的绍兴县，2009年开始引入文化创意产业，尤其是在纺织面料与服装的创意设计方面，通过创意设计来提升整个纺织服装产业。在响应国家十二五规划所提倡的服装产业为背景，中国服装产业正处于从服装大国向服装强国迈进的关键时期，正全面走上以自主品牌为主线，以产品价值为核心，以产业质量和效益增长为目标，以市场为导向，以科技、文化和人才为支撑，以低碳节能和社会责任为契机，以创新为动力的转型升级发展道路。
2.绍兴旅游文化和服装产业融合发展模式研究现状分析。
“十二五”时期，文化产业作为“国民经济支柱性产业”，其发展已上升到国家战略层面，旅游业作为一个“战略性支柱产业”其将更进一步增加与文化产业的融合发展。旅游文化作为一种特有的资源，从经济学角度对它们的准入具有经营上的操作性和获取利益的可能性，推动了文化旅游作为一种文化产业与服装产业的相融合，对促进地方经济经济发展手段发挥举足轻重的作用。
二、绍兴旅游文化和服装产业融合发展模式研究对策与方法
1.充分挖掘绍兴旅游文化与绍兴纺织服装产业的可持续发展。
提到绍兴旅游文化资源，被游客所认同的旅游品牌效应景区即鲁迅故里、兰亭、柯岩等，其人文资源的影响力和吸引力已被很好的开发利用，在此基础上应该进一步整合绍兴丰富的人文旅游资源扩大绍兴的“水文化”、“名人文化”、“酒文化”等资源优势的辐射范围，逐步形成可持续发展的人文旅游城市。另外根据绍兴资源特色，纺织服装产业作为绍兴经济发展的支柱产业、优势产业和民生产业，更被称为是“托在一块布上的经济强市”，在地方经济与文化建设的进程中，努力找到绍兴旅游文化与绍兴纺织服装产业可持发展的契合点，将积极自觉地融入到地方经济与社会发展中，提升绍兴旅游文化与服装产业为地方经济服务的贡献度。
2.推动绍兴旅游文化与服装产业时尚的有机结合。
为加大绍兴旅游宣传的力度和广度，将服装产品融入到不同的旅游项目中，推动绍兴旅游时尚文化与服装产业的结合的同时，将绍兴传统时尚特色产业纺织品、服装、珍珠以及领带，融入到绍兴旅游文化之旅中，依托时尚文化建设，开展绍兴纺织文化之旅，让游客体验纺织品的面料设计，同时参观珍珠饰品的加工程序，学习珍珠的鉴赏与工艺水平，并借此领略中国嵊州即全球最大的领带批发市场，以及领带精品展示展销区和领带博物馆。因此，绍兴旅游文化与服装产业时尚的有机结合，顺应合乎当今时展潮流。
3.服装在绍兴旅游文化项目中的应用实践。
从绍兴旅游文化的现状来分析，探讨服装产品在绍兴旅游业的市场价值与融合发展的必要性，从而将服装产品应用到绍兴不同旅游项目的开发实践中。以鲁迅故里风景区为例，其应用实践按服装职业类别分为：办公职业装、解说员装、景点售票员装与保安服装等四大类种；设计定位为：整体服装在视觉上力求端庄、简约，其统一着装风格以正装样式与职业装为主，兼顾时代性与时尚性。如图1所示，根据景区解说的岗位特点，以及面对不同游客的着装效果进行差异化设计，力求彰显解说员干练、热情又不失时尚的工作魅力。区为例，设计具有代表景区特色的营业员服，根据沈园景区实地考察情况来分析，沈园景区悬挂了各种风铃，因此设计了一系列3款以风铃为设计灵感的特色服装，本系列服装既可作为营业员服，同时也可将此服装以租赁的形式，方便游客与景点特色拍照留念，用以寄托与传达游客的美好祝愿。
三、结束语
探析绍兴旅游文化与服装产业融合发展的可持续性及其现实意义，不难发现服装产品在绍兴旅游文化发展中必要性和重要性。本文通过服装产品在绍兴不同旅游项目开发中的应用实践，以鲁迅故里风景区和沈园景区为例，为其解说员和工作人员设计具有代表景区特色的工作服以及旅游插画t恤衫纪念品，利用不同服装产品来宣传绍兴旅游景区品牌形象的同时，扩大绍兴旅游业的知名度和影响力，进一步倡导穿着绍兴旅游服装游绍兴的时尚旅游新口号。
服装论文参考篇五
宋代在思想上强调封建的伦理纲常，使女性受到太多的封建礼教束缚，没有社会地位，从属于男权社会，要遵守三从四德，受到男性的控制。宋代的审美追求保守的理性之美，在艺术上追求含蓄空灵、自然平淡，反映在服饰上讲究回归传统、朴素之风，崇尚简朴，“惟务洁净，不可异众”。褙子就是在这种审美趣味的影响下产生的传统服装，因其随身合体、典雅大方、修长纤细、服用方便、行动便利的风格广受欢迎，其形制使女子显得更加柔弱，符合宋代以瘦小、纤细、柔弱为美的审美趣味。因此，褙子是宋代保守理性之美的体现，褙子的出现符合当时社会回归传统、讲求伦理的社会背景。
[1]华梅.中国服装史[m].北京：中国纺织出版社，2007.
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