我们在一些事情上受到启发后，可以通过写心得体会的方式将其记录下来，它可以帮助我们了解自己的这段时间的学习、工作生活状态。心得体会可以帮助我们更好地认识自己，了解自己的优点和不足，从而不断提升自己。以下我给大家整理了一些优质的心得体会范文，希望对大家能够有所帮助。
国画课心得体会篇一
国画白描是一种经典的绘画技法，它通过轻重慢快、虚实浓淡等手法，将不同的景物形象表达出来。在我的绘画学习中，国画白描技法成为了我不可或缺的一部分。通过不断的练习和探索，我发现了一些心得体会。
第二段：学习国画白描的过程
学习国画白描的过程是漫长的，它需要耐心、细致地进行。最初的学习中，我遇到了很多难题，比如：如何使用笔触形成韵律感，如何处理色彩的变化与过渡等等。针对这些问题，我阅读了大量的书籍和资料，并且不断地实践。在不断地学习中，我逐渐掌握了一些技巧，懂得明白了它所要表达的美感，同时也不断地提高着自己的审美能力和造型能力。
第三段：关于国画白描表现手法的探讨
国画白描是一种描绘自然景物的方法，它通过笔触加深，线条变化、暗淡和色彩上的浓淡来塑造形态，使得画面产生深度和层次感。通过对国画白描的理解，我们可以发现，表面下面所要表达的是对于中国文化和自然的共情。这种技法使得画面透出庄重、深沉和静默的美感，每一笔的运用都有极高的审美价值。在绘画的过程中，熟练掌握这种表现手法是非常必要的。
第四段：在国画白描上寻找创作灵感
在学习国画白描的过程中，我们需要不断地寻找创作灵感。国画白描的最大特点是它精益求精的追求，这是一种对于自然和美的深入探索。因此，当我们在绘画时，我们需要在创作的过程中体悟自然、感受文化，不断的积累和驾驭各种素材，在表现出对生命和自然的共情时，才能让国画白描更加生动、自然、活泼。同时也能因此而从中获得创作的满足感和成功感。
第五段：总结
学习国画白描，汲取了其中的精华，既为我提供了技法上的优势，也为我开拓了美学上的视野。通过对国画白描的探讨和实践，我发现其表达的是一种高细腻，深沉，庄重的审美和文化追求，让我更加感受到了对自然万物、对生命本身的珍视。故在进行国画白描创作时，我也会从自己的视野中，去发掘和推广中国文化的特点，去创造出令人耳目一新的美感视觉，为国画白描技法创造新的可能。
国画课心得体会篇二
或许可以这么说：只有对中国画理念加以剖析、理解，才有可能得到真正的认识；没有真正地了解中国画的理念，就没有资格谈论中国画的发展。
当今的中国画坛，那些以西方绘画理念去“发展”、“创新”、“变革”中国画的人，可以说占了大多数。可是我们也要知道，有的时候真理是在少数人这一边的。如果试图用西画理念来“改造”中国画，无疑是缺乏理性思考的错误之举。我认为，中国画姓“中”，它与服饰、建筑、交通、通讯、医药等实用领域性质不同。在我们的文化领域里，诸如国画、书法、京剧、昆曲这样的民族艺术是绝对不能“中西合璧”的。正如马与驴交合，可以生出一头骡子，但骡子是不能再生育的。这便是“道”。再如，吴冠中的“中西合璧”，我认为也是一个失败的版本———由于他缺乏书法及金石文字的功底，缺乏高超的笔墨技能，作品极易被人仿造。其实，林风眠的画也只不过是一头“出色的骡子”，不能传代！画史上搞“中西合璧”者不胜枚举，这里我必须提及的是郎世宁、蒋兆和、徐悲鸿三位前辈。
意大利画家郎世宁的作品，以西画的表现技法套用了中国画的形式框架来营构画面，再现了十足的东方韵味，博得了东方人的青睐。他是成功的，因为他所绘还是西洋画，是以西画为本体的“中西合璧”。
现代人物画大师蒋兆和早期的作品借鉴了木炭素描的技法，以毛笔、宣纸等传统材料所作的水墨画让人耳目一新。同时，他充满激情的表达，使作品散发出感人的“热辣”气息。他的“中西合璧”在其艺术草创期便一炮打响。然而他中晚期的作品便不能与之前同日而语。这个时候，他极力想回归传统，并在晚年“幡然醒悟”，但似乎为时已晚。当我们欣赏他晚年的作品时，喟然以“苍白”二字叹之。究其原因，不言而喻：他的画落落然还是一头“骡子”。由于他同样缺乏金石、书法方面的修养，实难深造。
若说起徐悲鸿，在我国当代美术史上算是一位举足轻重的人物。他受康有为的影响，在见到当时中国画坛处在萎靡不振的状态时，毅然发出“中国画必须改良”这样的口号。以历史的发展观来评之，我认为这也是可以理解的。人们常道：矫枉必须过正。他欲废弃传统的《芥子园画谱》，主张以西方的“写实主义”来实施美术教育，在那个社会急剧变革的年代也有其必然性。可是，半个多世纪过来，他的这一套教学方式逐渐出现了许多纰漏之处。比如，画面倾向于光影的描写，忽略了线条的力度美；由于不重视对书法的训练，握毛笔如同握铅笔；学院毕业的学生再留校任教，从而形成恶性循环；一切基本训练皆以素描为基础，甚至有人主张以“无书法性”的笔触来作画，这使中国画特有的精髓———笔墨，已处在极次要的地位。由于这样的教学方式产生了很多不利于中国画发展的因素，许多有识之士开始反思，觉得必须把曾经忽略的重新补上，把走过头的路堵上。故后来的美术教育一反徐悲鸿的教学模式，强调笔墨、重视传统。这如同徐悲鸿当年所作所为一样，亦是历史发展的需要。
我们再回视当今，“骡子”的存在依然是不争之实。然我们的当务之急应是如何把“马”养好，使之壮大，并繁衍不绝。无疑，认真地瞻视一下传统中国画的.特色，剖析中国画的固有理念和深层内涵，这才是发展中国画的首要之纲。
毋庸置疑，越有民族性就越有世界性。人类历史的发展，是在不断的较量中进行的。在这个多元化的时代，国与国之间的较量，很可能会成为文化的较量。
中国画的写意、中国画的散点透视、中国画的笔墨技法可以说是无与伦比的。当我们在幽静的夜晚于书斋中画画儿、习字的时候，已经离不开西方文明为我们带来的日光灯的照明，它确实比蜡烛的光来得舒服、来得惬意。不言而喻，我们可以利用西方现代化的科技文明来为我们的生活服务，但万万不可试图以西方文化来改变华夏文化，因为那不是属于我们的文化，我们民族的文化之“根”不应该移植到中国以外的任何地方。
有人说，中国艺术是西方当代艺术的“起爆器”。据说，毕加索在晚年的时候曾多次提到齐白石。他曾在一次和马蒂斯的亲密谈话中说：“我们创作了很多的现代艺术，突然发现在我们现代绘画的前面站了一个人，那人手拿一支毛笔在画画，他就是齐白石(这里把齐白石当作中国画的代表)。他竟然站到我们前面去了。”马蒂斯听后也表示赞同。
据文献记载，荷兰画家凡·高临死前在一本日记里写道：“绝不是几个印象派的画家喜欢日本文化，而是因为以浮世绘为代表的亚洲文明直接产生了印象派。”凡·高是一个倔强而真诚的艺术家，他不会说假话，这不仅仅因为他曾是牧师。后来许多学者将浮世绘和法国画家莫奈的作品对比后，惊讶地发现莫奈的一些风景作品就是在模仿浮世绘的构图。据说在莫奈当时的居室里，没有挂着一张西方的绘画作品，而几乎全是日本的浮世绘。当人们在考察莫奈和凡·高收藏的浮世绘作品时，竟然在其中意外地发现了中国的《芥子园画谱》！
作为中国文化培育出来的画家，捍卫与弘扬中国画之纯正，无疑是我辈之职责。
陈鹏举：收藏鉴赏的十大关系
这里要说的收藏鉴赏中的十大关系是：“精英和大众的关系、文物和藏家的关系、财富和品位的关系、沧桑和人文的关系、审美和学养的关系、价值和价格的关系、真品和赝品的关系、现玩和古玩的关系、经典和稀缺的关系、艺术和工艺的关系。”讲十大关系的主旨是：收藏鉴赏是一种生活的品位，是实现人生的一种优雅甚至是奢侈的精神生活，而不是所有人的投资方向，或者说只是极少一部分人可能的投资方向。艺术品收藏，历来被认定是继房产、股票之后第三大投资方向。近期中国的艺术品拍卖，进入了所谓的“亿元时代”，中国的资本市场正以空前的信心开始进入艺术品收藏。应该说这种进入是迟早的事。物质生活丰富了，自然就向往精神生活，向往自己和文化联系起来。房产和股票是现代的东西，往来其间，只是说明自己活在当下，活在片时。中国人有五千年文化的来历，中国人的情意原本是属于历史的。一个完美的中国人和五千年的文化浑然一体，是天经地义。这就是中国人的一种生活品位，一种优雅甚至是奢侈的精神生活。然而以为艺术品收藏是又一个投资的方向，是可以置疑的。艺术品收藏所谓的“亿元时代”，对房产和股票市场来说微不足道。这是说投资方向上的不对称。还有，艺术品收藏如果说是个市场，这个市场在所有的界面上，都具有不可确定性。这就是个问题了。这个问题让原本很有信心的投资，一开始就可能失去了方向。
十大关系中前四个关系，更多是讲收藏层面的。 “精英和大众的关系”，是讲历来收藏有皇家、文人和大众三个层次的收藏，而起主导作用的只能是文人的收藏。譬如王世襄收藏的明代文人家具，是明代文化精英的创作成果。黄花梨的榫卯结构的无以复减的线条造型的明代文人家具，代表明代家具的最高水准，甚至是迄今为止的中国家具的最高水准。所谓明代皇家的案几椅榻等等，都不能改变文人家具所代表的文化精神和精英审美。“文物和藏家的关系”，是讲物和人的关系。物和人历来是连在一起的。然而物是主人人是客，毫无自卫能力的文物，总能比收藏它的人经历得更长久。而明白了这一点，收藏的本义就很清楚了。张伯驹在他晚年，特地写下了他“收藏《平复帖》和《游春图》的经过”一文。文中还十分清晰地写明，晋代陆机的《平复帖》是他捐给国家的，而隋代展子虔的《游春图》是他按原价二百二十两黄金转让给国家的。这是一个收藏家对历史文物虔敬的守护和传递的精神，还有还原事实的态度。他是明白收藏的本义的。 “财富和品位的关系”，是讲财富和品位的一致和不一致性，而在收藏中，财富有机会表达旷世的品位。毕加索的早期作品《拿烟斗的男孩》，被拍卖到了一亿美元。它是一对被战争分割的恋人，为了爱所能最终表达的旷世深情和人生的品位。而“沧桑和人文的关系”，是讲收藏在历史长河和在人们内心留下的珍贵和悲伤。人们对于分藏于两岸《富春山居图》的感慨，也就是这个关系。
后六个关系，更多的是讲鉴赏方面的。 “审美和学养的关系”，是讲鉴赏需要学养。鉴赏的过程也是增进学养的过程。当年上海博物馆展出72件国宝，其中《清明上河图》受到最广泛的欢迎。观众为了一睹风采，不惜彻夜排队。 《清明上河图》不能说是72件国宝中最重要的作品，可它是其中最通俗的作品。然而通俗可以是更高审美的起点。 “价值和价格的关系”，是讲文物确实是无价的，“无价之宝”不是一个形容词。“无价”是说价值的“无价”。价格呢？是既无价又有价。最直白的价格是由买家的眼力、喜欢程度，和自身的财力决定的。 “真品和赝品的关系”，是讲文物鉴赏和艺术品拍卖，无所谓“打假”问题。历来的文物传承方式，包括书画、瓷器等等，大抵正是通过临摹、仿制完成的。鉴赏家绵绵不绝，就是因为文物的真伪难以鉴赏。就像医生的存在，说明疾病无法根除一样。“现玩和古玩的关系”，是讲时间是创造珍贵的一大前提。譬如唐三彩，譬如敦煌壁画，原本都是伟大的创造。然而承受了时间的恩惠，今天人们所见的要比当初见到的要美好得多。“经典和稀缺的关系”，是讲有些文物是历史的标杆，是传承的命脉，是经典，譬如王羲之的字。有的是历史的遗爱，无与伦比，譬如《平复帖》。 “艺术和工艺的关系”，是讲书画和瓷器、玉器、家具等等的不同。艺术创造独一无二，工艺制作可以再现。两年前我提出这十大关系，本意是抛砖引玉，期待中国收藏学的诞生、人们对收藏和鉴赏有个共识。今天我觉得要重新提一次。
国画课心得体会篇三
牡丹作为中国传统文化中的重要元素，不仅体现了中国人对美好生活的向往，更是中国国画中的经典题材之一。作为一名热爱绘画的人，我近日特意学习了牡丹国画，并且对其中的艺术特点以及对我个人的心灵启迪有了更深的认识。
第二段：艺术特点
牡丹国画以其丰满、庄重和华贵的形象为人所称道。在笔触上，牡丹国画注重线条的流畅和曲线的韵味，以及斧劈势和墨染的手法，营造出牡丹的圆润和浑厚的感觉。在构图上，牡丹国画追求适度的纵幅和横幅，通过富有层次感的画面结构，呈现出牡丹的庄重和华丽。色彩上，牡丹国画充分利用水墨的独特韵味和色彩的渲染效果，表达出牡丹的美丽和脱俗之感。
第三段：心灵启迪
学习牡丹国画对我来说不仅仅是一种技艺的提升，更是一种心灵的触动。通过观察和学习，我深深感受到牡丹国画中蕴含的敬意与崇高。牡丹不仅仅是一种美丽的花朵，更是寓意荣华富贵的象征，牡丹的姿态和生命力给我带来了一种豁达和舒缓的感觉。在绘画过程中，我体会到了放下杂念和追求完美的重要性，通过观察牡丹的形态和气质，我学会了在绘画中表达情感和寓意。
第四段：对生活的启示
牡丹国画教会了我如何面对生活中的困难和挫折。在绘画中，当我遇到难以掌控的笔墨或者失误时，我学会了调整自己的心态并告诉自己，每一次失误都是一次学习的机会，通过不断的尝试和改进，我相信自己能够达到自己心中美好的目标。与此同时，牡丹国画也告诉我，面对生活中的困难和挫折，我们应该坚持不懈、勇往直前，相信自己的努力和坚持总会带来成功和收获。
第五段：总结
学习牡丹国画给我带来了很多收获和启示。通过与牡丹为伍，我深刻体会到美的价值和美好生活的意义。在绘画中，我学会了放下杂念，面对困难和挫折时保持乐观和坚持，并且通过艺术的创作来表达自己的情感和寓意。牡丹国画不仅仅是一种艺术形式，更是一门哲学，一种生活智慧的体现。我将继续在这条道路上探索，不断提升自己的绘画技艺，并通过绘画来传达美的力量和对生活的热爱。
国画课心得体会篇四
教学体系以技法训练为中心，以审美教育为核心，绘画、欣赏并重的教学新体系。着力培养小学生的审美情趣。根据小学生的身心特点，注意联系生活实际，注意民族性、时代性，选择思想性、知识性、实用性、趣味性强的教学内容。
二、在教学中遵循的教学原则
1、审美性原则
美术教学把审美教育作为主线贯串教学全过程，通过对自然美、生活美、艺术美的感受和表现，陶冶学生的情操，培养学生的审美情趣。
2、思想性原则
教师要在教学的内容与形式中有机地融迸思想品德教育。
3、量力性原则
教学内容和方法应适合小学生的生理、心理发展特点，浅显易学，循序渐进，逐步提高学生的美术素质。
4、创造性原则
教学要充分发挥学生的想象力，启发、鼓励学生的创造性。
5、实践性原则
教学应联系学生的实际，教师讲述与学生操作训练相结合，充分调动学生眼、手、脑协调并用。
6、趣味性原则
选择富有儿童情趣的教学内容，采用生动活泼的教学形式，激发和培养学生学习美术的兴趣。
7、因材施教原则
根据学生年龄特点和每个学生的个性差异，在教学中面向全体学生，同时要考虑个别超常学生与后进学生的情况，采取面向集体与个别指导相结合的方法。
三、教学过程中注意的问题
1、教学中注意知识的基础性与应用性，使学生学好常用的、必要的、有价值的知识和技能。还要注意体现民族性和时代性。
2、教学中应注意将看看、想想、讲讲、做做、画画、玩玩等活动和绘画、欣赏等内容有机地结合起来。
3、在教学方法上不宜过分强调严谨的素描结构、透视规律、色彩原理等，以免束缚学生的自由想象和个性发展。
四、每堂课的结构
1、每课的教学目标一般包括认知目标、技能目标、思想情感目标。 认知目标分了解、理解和初步掌握三级。"了解"指对美术常识的初步认识，能再现和再认;"理解"指初步懂得所学知识的涵义，能作出简单的说明;"初步掌握"指能应用所学知识于简单的审美和创作活动。
技能目标分练习和初步学会两级。"练习"指在教师的指导下，能完成简单的技法、能力训练;“初步学会”指在简单的美术实践中，能初步独立地运用所学的基本技能。
思想情感目标分接受、初步具有两级。"接受"指对教学中所涉及的兴趣、态度、思想品德等方面的教育有认同的心理倾向，并初步影响自己的行为实践;"初步具有"(兴趣、感受)指通过教学和实践活动，对自然美、生活美、艺术美有所感受，逐步形成较稳定的兴趣、态度、思想品德及观念等，并以此指导自己的行为实践。
2、课时安排是以学生年龄适应的学习内容为依据的，教师在教学中可根据实际情况作适当调整。
3、课前准备分教师和学生两个方面，提及的一般为本课需要准备的特殊物品。纸张、画笔、颜料、小刀等常规用品。
五、课时安排
和学生家长谈“孩子学美术” …………………………………1课时
和学生谈“为什么画画”?……………………………………1课时
绘画知课 …………………………………………………………2课时
中国文房四宝………………………………………………………2课时
中国画常用技法……………………………………………………2课时
中国画构图法………………………………………………………2课时
中国画——梅花 ………………………………………………2课时
中国画——兰 ……………………………………………………2课时
中国画——竹 ……………………………………………………2课时
中国画——菊花……………………………………………………2课时
中国画——紫藤 ………………………………………………2课时
中国画——蔬菜 …………………………………………………2课时
中国画——葡萄 …………………………………………………2课时
中国画——虫 ……………………………………………………2课时
中国画—— 鱼 ……………………………………………………2课时
中国画——鸟………………………………………………………4课时
中国画创作…………………………………………………………4课时
国画课心得体会篇五
国画花鸟作为中国传统绘画的重要形式之一，具有悠久的历史和丰富的文化内涵。在我学习国画花鸟过程中，我深感这种艺术形式的独特之处。通过不断的练习和学习，我逐渐领悟到国画花鸟的艺术特点、技巧和精神内涵。下面我将从构图、线条、用色和笔墨四个方面，分享我对国画花鸟的心得体会。
首先，构图对于国画花鸟的表现起着至关重要的作用。一个好的构图可以突出画面的主题，提升审美效果。在绘制画面时，我意识到构图的平衡性和层次感是十分重要的。画面的层次感可以通过主体与背景的对比来体现，同时适当留白也是突出主题的有效方式。此外，在构图时的对称性和黄金分割原则也是需要考虑的因素。通过合理的构图手法，我发现画面的艺术感和趣味性大大提高。
其次，线条在国画花鸟的表现中起到连接和衔接的作用。通过用笔的力度和粗细，线条可以刻画出花鸟的形态和纹理。在线条的运用上，我发现线条的轻重和形态是决定画面生动程度的重要因素。运用细线可以展示出花鸟的柔和和生动感，而运用粗线可以突出花鸟的骨架和力量感。此外，线条的流畅和曲线的变化也是需要注意的因素，可以通过这些细微的线条变化来表现出花鸟的动态和姿态。
再次，色彩是国画花鸟表现的重要手段之一。国画花鸟追求的是以墨色表现色彩，通过淡墨浓墨的运用来呈现出花鸟的层次感和立体感。在用色上，我学会了如何正确地控制墨汁的浓稠度，运用不同深浅的墨色来表现出花鸟的光影效果。同时，还需要注意用色的密度和渐变，以及色彩的冷暖变化，这些都是给画面增添层次和韵味的重要技巧。
最后，笔墨是国画花鸟表现的灵魂所在。进行国画花鸟绘画时，我发现用笔的力度、速度和变化都直接影响着画面的效果。运用干笔和湿笔的组合可以表现出花鸟的立体感和质感。用画龙点睛的手法可以突出花鸟的重点和细节，增加画面的亮点和生动感。此外，我还发现在使用墨色时，要注意激发墨水的流动性和水墨的渗透性，这样才能表现出墨色的丰富和变化。
总的来说，学习国画花鸟给我带来了很多的收获和体会。通过深入学习和实践，我逐渐领悟到了国画花鸟的独特之处及其艺术特点。构图、线条、用色和笔墨的综合运用是国画花鸟成功的关键。同时，我也意识到国画花鸟艺术不仅仅是一种绘画形式，更是一种精神追求和生活态度。通过国画花鸟的绘制，我能够静心、陶冶情操，感受到自然界万物的美与生命的升华。这种艺术形式不仅给予我视觉的享受，更深深烙印在我内心深处，成为我生活的一部分。
国画课心得体会篇六
我喜欢国画，喜欢国画，因为国画我也有过烦脑。这学国画的事说来话长。
小时候，我是在大妈家长大的所以我每逢周六我就会到大妈家玩。
有一次，大妈家的伯伯给父母说：“孩子都四岁了也该学点东西了父母就同意我在伯伯家学国画。那是因为我小时候在幼儿园画画老得银奖，所以父母觉得我在画画上还是有天赋的.，就让我去了。
我记得特别清楚的是我先开始画的菊花，然后画的葡萄再画鱼。
这一学就是几年。
在我学的中途我有点放弃。一天下午，我请了假，去公园走走，走着走着 作文老师常给我们说；‘苦进甜来’于是我给父母说我要继续学。
于是我鼓足了勇气学了起来，一日复一日真是功夫不负有心人，我的国画越来越好，每次都能获奖。
辛苦的劳动让我有了收获，收获的喜悦给我带来了学习的动力，现在我对国画更是情有独钟，他让我在淡淡的墨香里享受国画的乐趣；他让我欣喜让我再勤学苦练种享受成功的愉快。
国画课心得体会篇七
作为一门古老而精妙的艺术形式，国画一直吸引着无数的学习者。学习国画是一项既需要耐心和定力，又需要灵感和创造力的过程。在我初学国画的过程中，我深刻体会到了其中的乐趣和挑战。
第一段：影响与选择
我对国画的热爱源于小时候对中国传统文化的浓厚兴趣。经历了杂志、电视和网络艺术作品的浸润，我对国画的独特魅力产生了浓厚兴趣。在选择学习国画之前，我阅读了一些相关的书籍和资料，初步了解了国画的基本知识和技巧。这些了解让我对国画建立了一定的认识，激发了我进一步学习的动力。
第二段：初始的不适应与挫折
在开始学习国画的初期，我遇到了很多困难和挫折。我发现自己很难用笔画出我想要的效果，我觉得自己的画是呆板和刻板的。此外，国画对于墨汁的运用也是一门重要的技巧，而我对传统墨汁的使用完全不熟悉。初步的练习中，我的墨汁常常过于稠密或者太稀薄，使我的画面效果不尽如人意。这些挫折让我有了逃避的想法，但是我坚持下来了，因为我相信只有通过坚持，我才能真正克服这些困难。
第三段：师从与指导
为了更好地学习国画，我决定找一位老师进行指导。老师的指导让我的学习更有方向和效果。她帮我分析了我画作中的问题，并给我耐心地讲解了如何运用不同技巧来解决这些问题。她还教会我一些基础的画笔运用技巧，如用笔的轻重、运笔的合理和墨汁的调配等。通过与老师的交流和学习，我发现我的国画水平得到了很大的提高，我能够更加自如地表达我想要表达的意境和情感。
第四段：细心与专注
国画在技巧和观察力方面对画者都有着极高的要求，尤其是在画自然界的花草鸟虫等物时。我发现用一种放松、耐心和专注的心态去观察并描绘自然界的万物，可以让我更加深入地理解生命的美丽和多样性。在享受这种绘画的过程中，我的心情也变得非常平静和宁静，这种平静和宁静也从我的作品中得到了体现。
第五段：成果与收获
国画不同于其他绘画形式，它更需要画者去感悟自然和生命的美妙，去感受笔墨之间的流淌与交融。在我初学国画的过程中，我不仅学到了一门古老的艺术形式，还收获了更加深入的生活感悟和情感体验。国画让我更加热爱生活，更加用心去观察和体验生活中的美好。这种改变和成长让我深深感到，学习国画绝不只是一种技巧和艺术形式，而是一种触摸灵魂的心灵修炼。
总结
通过初学国画的过程，我体会到了取之不尽的艺术魅力和学习的乐趣。国画不仅仅是一种技巧的学习，更是一种对生活和自然的感悟和审美。虽然在学习的过程中会遇到许多困难和挫折，但只要坚持下去，就能够克服这些困难，并获得成长和收获。国画让我切身体会到了艺术的力量和美妙，也让我更加热爱生活，用心去感受和表达生命中的美丽。